EL MUNDO ROMANO

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La Catedral



El corazón de la Piazza dei Miracoli es el Duomo, la catedral medieval dedicada a la Asunción de la Virgen (Santa Maria Assunta, en italiano). Es una basílica de cinco naves con un transepto de tres naves. Se empezó a construir en 1064 por el arquitecto Buscheto y originó el distintivo estilo románico pisano en arquitectura. Los mosaicos del interior muestran una fuerte influencia bizantina, mientras que los arcos apuntados indican la influencia islámica. La fachada, de mármol gris y piedra blanca con discos de mármol coloreado fue construida por el maestro Rainaldo, como se indica en una inscripción sobre la puerta central: Rainaldus prudens operator.Las enormes puertas principales, de bronce se realizaron en los talleres de Giambologna pero en el pasado los visitantes entraban por la Porta di San Ranieri (Puerta de san Rainiero), en frente de la Torre Inclinada. Realizada alrededor de 1180 por Bonanno Pisano, esta puerta está actualmente desplazada de su ubicación original al lado opuesto del Baptisterio cuando se erigieron las puertas de Giambologna.Por encima de las puertas hay cuatro filas de galerías abiertas con estatuas en lo alto de la Virgen con Niño y, en las esquinas, los Cuatro evangelistas. Una de estas galerías contiene la tumba de Buscheto.El interior está cubierto de mármol blanco y negro y tiene una techumbre dorada y una cúpula con Fue ampliamente redecorada después de un incendio en 1595, que destruyó la mayor parte de obras de arte medievales.El impresionante mosaico, del ábside, de Cristo en majestad, flanqueado por la Virgen y san Juan Evangelista, sin embargo, sobrevivieron al incendio. Recuerda a los mosaicos de la iglesia de Monreale, Sicilia. Aunque se dice que el mosaico era obra de Cimabue, sólo la cabeza de San Juan es obra de este artista (1302) y fue su última obra, puesto que murió en Pisa ese mismo año. La cúpula, en el crucero de la nave con el transepto, fue decorada por Riminaldi mostrando la ascensión de la Virgen. Se cree que Galileo formuló su teoría sobre el movimiento de un péndulo al ver el balanceo del incensario (no es actual) que colgaba del techo de la nave. Esa lámpara de incienso, más pequeña y simple que la actual, está actualmente conservada en el Camposanto, en la capilla Aulla.

Las enormes columnas corintias de granito entre la nave y el pasillo provienen originariamente de la mezquita de Palermo, capturada por los pisanos en 1063.El techo de artesonado de la nave fue reemplazado después del incendio de 1595. La techumbra actual, decorada con oro, muestra el escudo de armas de los Médicis.El elaborado púlpito tallado (1302-1310), que también sobrevivió al fuego, es obra de Giovanni Pisano y es una de las obras maestras de la escultura medieval. Fue almacenado durante la redecoración y no se redescubrió e instaló de nuevo hasta el año 1926. El púlpito está apoyada en columnas lisas (dos de las cuales están montadas sobre esculturas de león) en un lado y en el otro por cariátides y un telamón: este último representa a San Miguel, los Evangelistas, las cuatro virtudes cardinales flanqueando a la Iglesia, y una representación franca y naturalista de un Hércules desnudo. Un plinto central con las artes liberales apoya a las cuatro virtudes teologales.La reconstrucción actual del púlpito no es la correcta. Hoy está no en la misma posición original, que era cerca del altar principal, y la disposición de las columnas y los paneles no son los originales. También las escaleras originales (quizá en mármol) se han perdido.La parte superior tiene nueve paneles dramáticos mostrando escenas del Nuevo Testamento, esculpidas en mármol blanco con un efecto de claroscuro y separada por figuras de profetas: la Anunciación, la matanza de los inocentes, la Natividad, la Adoración de los Magos, la Huída a Egipto, la Crucifixión, y dos paneles del Juicio Final.La iglesia también contiene los huesos de San Rainiero, el santo patrón de Pisa, y la tumba del sacro emperador romano germánico Enrique VII, esculpido por Tino da Camaino en 1315. Esa tumba, originalmente en el ábside justo detrás del altar mayor, fue desmontada y cambiada de posición muchas veces a lo largo de los años, por razones políticas. Al final, el sarcófago aún está en la catedral, pero algunas de las estatuas se pusieron en el Camposanto o en la parte alta de la fachada de la iglesia. Las estatuas originales están actualmente en el Museo dell'Opera del Duomo.El edificio, como varios en Pisa, está también ligeramente ladeado desde su construcción.





El Baptisterio

El Baptisterio, dedicado a San Juan Bautista, fue empezado a construir en el s. XII, “1153 Mense August fundata fuit haec («En el mes de agosto de 1153 fue aquí fundada…»)”, como consta en las inscripciones que hay en los pilares situados junto a la puerta de entrada y Lo diseñó casi por entero el Maestro Diotisalvi, un prestigioso arquitecto toscano de la época, aunque la construcción, sin embargo, no terminó hasta el siglo XIV, cuando la loggia, la planta superior y la cúpula fueron añadidos en estilo gótico por Nicola y Giovanni Pisano.Diotisalvi concibió un edificio religioso de enormes proporciones en mármol blanco y de planta circular en conmemoración a la “Rotonda de la Anástasis”, el grandioso mausoleo situado sobre el Santo Sepulcro de Jerusalén.Es el baptisterio más grande de Italia. Su circunferencia mide 107,25 metros y la altura es de 75 metros. Contando la estatua de san Juan Bautista (atribuida a Turino di Sano) en la parte superior de la cúpula, es incluso unos centímetros más alto que la Torre Inclinada.La magnífica cúpula se sustenta sobre ocho columnas y cuatro pilares con espléndidos capiteles tallados, lo que produce un efecto de luminosidad y de solemnidad sorprendentes. Asimismo es de destacar la acústica del interior.En el centro de la planta se encuentra la elegante pila bautismal octogonal de mármol blanco, obra del insigne escultor gótico lombardo Guido Bigarelli da Como (activo entre 1238 c. y 1257) y en el centro de la pila se alza la hermosa escultura de bronce que representa a San Juan Bautista, realizada en 1929 por el renombrado escultor italiano Italo Griselli (1880-1950).

Junto a la pila está situado el sobresaliente e innovador púlpito de mármol blanco de Nicola Pisano, quien empezó a realizar la obra en 1260.

El Púlpito del baptisterio di San Giovanni en Pisa fue realizado por Nicola Pisano en 1259, marcando el comienzo de un cambio importante en el lenguaje de la representación artística en la Toscana. A diferencia del modelo tradicional del púlpito adosado a la pared, Nicola trabajó un cuerpo arquitectónico independiente de planta hexagonal y sostenido por 7 columnas. Algunas de éstas están asentadas sobre leones, mientras que la columna central descansa sobre un plinto esculpido de figuras de animales y gnomos. Los arcos de medio punto trilobulados muestran la aún vigente influencia bizantina, así como el denominado “horror vacui” medieval, que consistía en no dejar espacios vacíos.

El Púlpito del baptisterio de Pisa está ornamentado con losas de mármol esculpidas con relieves narrativos que representan la Anunciación y la Natividad, la Adoración de los Reyes Magos, la Presentación en el Templo, la Crucifixión y el Juicio Final; mientras que en los capiteles aparecen intercaladas personificaciones de las Virtudes.
En esta obra, Nicola optó por representar la Natividad con la figura reclinada de la Virgen dominando toda la escena, seguida por la repetición inmediata de la cabeza y la figura de la Virgen de la Anunciación, que crea un poderoso foco de atención en el centro. La firme solidez de las figuras rivaliza con una viva preocupación por las cualidades decorativas: la articulación y la solidez de los cuerpos quedan ocultos bajo los ropajes con nítido modelado de los pliegues que cuelgan. Las personificaciones de las Virtudes muestran una mezcla de figuras de estilo francés y de diseños clásicos, como el contraposto de la figura de la Fortaleza.
En la escena de la Crucifixión nos topamos con un aumento de la gestualidad, el dramatismo y el peso de los cuerpos que genera realismo e induce a una sensación de profundidad. El trabajo de Nicola Pisano es reconocido con gran admiración, pues en todas las escenas existe una claridad similar en la estructura compositiva y en la disposición de las figuras, con el diseño de poses y atuendos repetido una y otra vez. Además, cada relieve se distingue de las molduras de los marcos y, a su vez, éstos se separan entre sí por medio de columnas lisas.
El Púlpito del baptisterio de Pisa fue la primera obra documentada de Nicola Pisano y fijó un nuevo modelo de púlpito que luego continuó su hijo Giovanni en Pistoia; el punto de partida de un estilo que anticipaba las ansias del Renacimiento italiano.



La Torre de Pisa



ALGUNOS DATOS DE LA TORRE DE PISA
* Nombre: Torre inclinada de Pisa.
* Función: Campanario.
* Período de construcción: 1173-1372
* Altura: 56 m, aprox.
* Diámetro exterior en la base: 1 5,5 m, aprox.
* Diámetro interior en la base: 7,4 m, aprox.
* Peso: 14.500 toneladas, aprox.
* Pisos: 7 más el claro
* Número de campanas: 7




CUANDO LOS CIUDADANOS RICOS DE PISA ENCARGARON LA CONSTRUCCIÓN DEL CAMPANARIO, SU INTENCIÓN ERA CREAR UN SÍMBOLO DE SU PODER. EL RESULTADO, SIN EMBARGO, FUE CONTRARIO: LA TORRE INCLINADA SE CONVIRTIÓ EN UN MODELO DEL CARÁCTER PASAJERO, TANTO DE LA ARQUITECTURA COMO DEL PODER.
La construcción del campanario para la catedral de la ciudad toscana de Pisa se encargó al arquitecto Bonanno Pisano hacia el año 1173. Este se propuso erigir un campanario en forma de columna y separado de la iglesia. No obstante, muy pronto se observó que los cimientos de la torre eran demasiado débiles, lo cual provocó que empezara a inclinarse (en un primer momento se ladeó unos 5 cm. hacia el sudeste) tras la conclusión de los primeros tres pisos.
La causa del torcimiento de la obra era el inestable subsuelo sobre el que se estaba levantando la torre. Pisano temió que su fama de arquitecto se viera afectada y mandó parar las obras.

Casi 100 años más tarde, Giovanni di Simone se arriesgó a reanudar la edificación e intentó compensar la inclinación de la torre construyendo verticalmente los cuatro pisos que faltaban. Las consecuencias fueron catastróficas, pues el campanario seguía inclinándose.
Di Simone se dio cuenta de su error y ordenó detener de nuevo las obras por más que el lugar donde debían colocarse las campanas no estuviera construido. En 1298 se midió una desviación de la plomada de 1,43 m, y en 1360 esta cifra ya había aumentado a 1,63 m. Con todo. Tommaso Pisano se decidió a continuar la construcción del campanario y a terminar la obra. Para ello, dispuso el claro de forma vertical sobre el edificio inclinado. En 1372, la torre del campanario quedaba lista para su inauguración.
En los siglos sucesivos, la inclinación de la torre se ralentizó. Se supone que el peso de la misma —unas 14.500 toneladas— terminó por compactar el suelo, lo cual permitió cierta estabilización del edificio. En el año 1835, el arquitecto Alessandro Gherardesca realizó un primer intento de rehabilitación; para ello eliminó el blando suelo lodoso y lo sustituyó por una base de mármol.
En 1350 la inclinación era de 1,40 metros, en 1817 de 3,80 metros y en 1993 de 4,47 metros. Tras las obras la inclinación de la torre retrocedió a los 4,10 metros en 2001 y de ahí a los actuales 3,99 metros.
El resultado fue desatroso, ya que en lugar de proporcionar mayor solidez a la torre, la acción de Gherardesca provocó un nuevo ladeo. En 1918, la desviación de la plomada eta ya de 5,1 tn. Hasta 1990, la inclinación de la torre fue aumentando de 1 a 1,2 mm. anuales. Ante la imposibilidad de revertir esta situación y por motivos de seguridad, el símbolo de la ciudad Pisa fue cerrado a los visitantes el 7 de enero de 1990.

El gobierno italiano ha emprendido numerosas medidas para la conservación de este singular monumento. Asi, en los años 1994 y 1995, se colocaron en la parte norte de la torre 690 toneladas de plomo en forma de barras y a modo de contrapeso; su fijación se realizó mediante la inserción de una serie de anclas enterradas en el suelo, a 40 m. de profundidad. Hasta el momento, la medida funciona, por lo que se ha podido detener la inclinación de la torre. Por el contrario, otros intentos de estabilización, corno inyecciones de hormigón en los cimientos o la congelación del suelo, han resultado un fracaso. En 1998, se aseguró la parte norte de la torre mediante dos cables de acero de 100 ni de largo y 4 toneladas de peso cada uno.
La torre tiene 55 metros de altura, pero sus cimientos sólo tienen 3 de profundidad. Inmediatamente después de que se empezara a construir, el suelo empezó a ceder. Eso ocurrió en 1173, y desde entonces el suelo ha estado cediendo lentamente
Los arquitectos e historiadores del arte se llegaron a abandonar la torre a su suerte. Entre el mes de febrero de 1999 y junio de 2001 se puso en práctica una nueva técnica. En los cimientos de la parte norte se insertaron una serie de tubos que debían permitir la extracción de 30 toneladas de tierra con la máxima seguridad y, a continuación, enderezar la columna unos 50 cm. La nueva técnica dio unos resultados magníficos, de manera que en la actualidad la torre presenta una inclinación moderada, aproximadamente la que tenía hace unos 250 años. A pesar de que es posible que nunca "adopte" la posición vertical por completo, su situación actual puede considerarse como absolutamente estable.
El "paciente" está friera de peligro y podrá sobrevivir sin problemas durante los próximos 2000300 años. El 16 de junio de 2001, se abrió de nuevo el acceso al público, ya que no existe riesgo alguno en la subida a este campanario de 55 ni de altura. Incluso las siete campanas pueden volver a repicar.

Decoración de los arcos apuntados

Mientras en lo constructivo, el gótico es consecuencia de la evolución del románico, en lo decorativo esa continuidad no existe. Sin perjuicio de llegar en los últimos momentos a extremos de riqueza y exuberancia que superan a los del estilo anterior, la decoración gótica nace después de la reacción cisterciense, uno de cuyos postulados es, como veremos, el raer todo ornamento.
Los temas geométricos preferidos son los que nacen del arco mismo, por la combinación de curvas de uno o varios centros. El dibujo geométrico o tracería gótica comienza yuxtaponiendo círculos o triángulos curvos, decorados en su interior con arquillos de medio punto o apuntados. El empleo del arco conopial con su doble curva abre en el siglo XV una nueva etapa en la decoración geométrica gótica. El entrecruzamiento de sus líneas crea una serie de curvas y contracurvas que, por semejar el ondulante movimiento de la llama, ha dado el nombre de flamígero al gótico en que se emplea. Los temas decorativos, que hasta entonces son circulares o triangulares, se transforman en una serie de óvalos apuntados de las más diversas proporciones.
Si la decoración geométrica gótica está llena de novedad, donde se advierte que la actitud espiritual del decorador gótico no sólo es diferente, sino opuesta a la del románico, es en la de carácter vegetal.
Cuando ésta se forma, San Francisco ha predicado el amor a la naturaleza y a sus más humildes
criaturas, y ese aliento vital que anima la época, hace que el decorador descubra la belleza natural de las plantas y no sienta la necesidad de transformarlas al esculpirlas en sus edificios. Las preferidas, sobre todo en los primeros tiempos, son las hojas de hiedra, de vid, de roble y de trébol. A su lado va ganando terreno la hoja de cardo, que los castellanos de la época llamaban berza, y que termina convirtiéndose en el tema vegetal corriente para decorar arquivoltas, jambas y capiteles.
Además de estos temas de follaje, en los últimos tiempos del gótico se pone de moda otro, también vegetal, que refleja el agudo realismo característico del gótico tardío. Los troncos de plantas erizados de nudos y muñones y de rugosas cortezas deleitan el cincel minucioso del decorador del siglo XV. Son, además, frecuentes la flor del cardo y la granada, que se emplean sobre todo en los tejidos. La decoración de animales se distingue igualmente por el naturalismo de su interpretación, aunque no por ello se representen monstruos y seres fantásticos, que aparecen entremezclados con el follaje o formando pequeñas escenas o aislados en gárgolas, remates de barandales, etc.
La decoración gótica, como la romántica, se concentra en las puertas, ventanas y claustros, si bien los capiteles son mucho menos importantes desde el punto de vista decorativo. En cambio, en el interior del templo se abren tres nuevos campos, que son las vidrieras de los grandes ventanales, el retablo y la sillería del coro.
Las portadas góticas son abocinadas, como las románicas; pero el tímpano suele dividirse en varias zonas horizontales, la decoración escultórica de las arquivoltas no se dispone radialmente, sino en el sentido de su curva, y las esculturas de arquivoltas y jambas suelen protegerse con chambranas o doseletes.
La forma apuntada de la portada gótica suele completarse con el gablete o moldura angular, que le sirve de coronamiento. El gablete se aplica también a otros elementos arquitectónicos, como la parte superior de los estribos, pilares decorativos, etc.
La ventana, por su gran amplitud, ofrece problemas inexistentes en el estilo románico. Para cerrar y decorar su gran vano se levantan en su interior una o varias columnillas o baquetones unidos en su parte superior por arcos sobre los que descansa una tracería calada. En los primeros tiempos, esa tracería se limita a uno o varios óculos circulares tangentes; después se enriquece el interior con arquillos decorativos; por último, se introduce la tracería flamígera. En los ventanales del templo los vanos de la tracería se cierran con vidrios de colores. ´



Los muros góticos



Ventanas y vidrieras





La reducción de la estructura sustentante al mínimo imprescindible permitió abrir grandes huecos en los muros de las fachadas. Los artistas de la época pudieron dar rienda suelta a su imaginación creando un arte desconocido hasta la fecha.
Las ventanas del periodo de transición suelen ser como las románicas de arco apuntado. Pero luego se ostenta el verdadero ventanal gótico amplio y decorado en su parte superior con hermosos calados de piedra, los cuales se forman de rosetoncillos combinados, siempre sostenidos por columnillas o parteluces. En el siglo XIV se complica la tracería multiplicándose los rosetoncitos y adelantando ya el XV se combinan las líneas formando curvas serpenteantes constituyendo el calado flamígero.
Una cosa parecida se observa en los grandes rosetones que se colocan en lo alto de las fachadas: al principio, toman la forma radiante y sencilla aunque en iglesias suntuosas es algo más complicada. Se multiplican los adornos de la rosa en el siglo XIV y en el XV llega a ser la tracería un verdadero laberinto de curvas enlazadas. No faltan en todas las épocas sin embargo ventanas menores de traza más sencilla y pequeños aljimeces. Ventanas y rosetones suelen cerrarse con magníficas vidrieras polícromas e historiadas donde a su modo se ejercita el arte pictórico monumental ya que apenas le dejan espacio para su desarrollo los escasos lienzos de pared que median entre los referidos vanos en las iglesias suntuosas. Pero en las más humildes se sustituyen las vidrieras por láminas de piedra translúcida y aun tal vez por encerados.






LA ESCULTURA GÓTICA







Características:
Técnica. Hunde sus raíces en la técnica románica del siglo XII cuando el bulto se hace más voluminoso apartándose de la plenitud del siglo anterior. Temática. La temática es totalmente religiosa, los principales temas son: Para los tímpanos de las portadas el Juicio Final, la Pasión de Cristo, la Vida de la Virgen y de los Santos, el crucificado (sólo que ahora expresa el sufrimiento de Cristo en la cruz y no el triunfo sobre la muerte), la Virgen con el niño (sólo que ahora no es mayestática sino una Virgen risueña con su hijo en los brazos), y temas bíblicos. Estética. Se trata de una escultura naturalista, algo idealizada; Desaparecen las características del románico geometrización, hieratismo y desproporción de las figuras; Las obras expresan sus sentimientos, dolor, placer etc. el artista trata de emocionar.
Tipologías. Escultura monumental: En los tímpanos de las portadas y en las arquivoltas y jambas donde se colocan reyes y músicos, o las más variadas imágenes que en lugar de disponerse radicalmente (románico) éstas siguen la dirección del arco. En los capiteles desaparecen los temas iconográficos que se sustituyen por decoración orgánica. Escultura funeraria: El tipo de sepulcro más generalizado es el exento, sobre un túmulo descansa el difunto en posición yaciente, en la cabecera se sitúan dos ángeles incensando, a los pies dos monjes leen, o custodian el sepulcro corderos, leones o perros como signo de fidelidad, los frentes del catafalco contienen relieves que representan a la viuda acompañada de plañideras y monjes portando hachones. El realismo del difunto es evidente. Sillerías de coro: Son frecuentes las escenas bíblicas de lo más variado, realizadas en madera. Función. Finalidad religiosa y didáctica.






LA PINTURA GÓTICA
Características:
Técnica. La reducción del espacio mural determina la paulatina desaparición de la pintura al fresco, la multiplicación de capillas posibilita la generalización del retablo y con ello la pintura sobre tabla, recordar las miniaturas.
Temática y estética. Igual a la escultura.

EL GOTICO LINEAL
Cronología. Se desarrolla en el s. XIII e inicios del XIV, su origen se sitúa en París, consiste en la ilustración de libros, ya que la pintura sobre tabla no se generalizará hasta después. Características. Las figuras humanas tienen un canon alargado y estilizado (amanerado); Predominio de la línea; Colores planos que rellenan las delimitaciones realizadas por las líneas gruesas como si fuese una vidriera o un esmalte, de hecho tiene su inspiración en la vidriera; los efectos lumínicos se logran mediante panes de oro; No hay volumen; Perspectiva abatida, las figuras aparecen en un marco arquitectónico o paisajístico extraño. Obras. Un buen ejemplo es la Biblia San Luis, en España las Cantigas de Alfonso X el Sabio dedicadas a Santa María, de la segunda mitad del s. XIII, con influencias francesas, italianas y del Islam, presenta un colorido muy suave.

EL GÓTICO ITALIANO
Cronología. Surge en Italia a finales del XIII y se extiende en el XIV, sus autores son los llamados primitivos italianos, que fusionan las tradiciones grecorromanas (naturalismo) con el gótico, parten de la influencia bizantina la "manieru greca" procedente de Venecia y que tenía en Cavallini y Cimabue a sus mejores representantes, para ir proporcionando una mayor naturalidad. Se distinguen dos escuelas. Escuela de Florencia. Con Giotto di Bondone a la cabeza, supone la ruptura con la "maniera greca", los personajes se inspiran en el natural tratados individualmente, predominio de la línea, colores suaves, primeros electos lumínicos, volumen de las figuras, representación espacial muy primitiva perspectiva caballera formada por rocas y arquitecturas un poco ingenuas. El Llanto ante Cristo muerto en la Capilla de la Arena en Padua es su mejor ejemplo.
Escuela de Siena. Duccio di Buoninsegna y Simone Martine mezclan la tradición gótica y la maniera greca, por ello realizan una pintura muy decorativa, no se inspiran en el natural, sino que sus personajes manifiestan una belleza idealizada con un canon alargado y estilizado (amanerado), rostros ovalados y ojos almendrados, con el predominio de la línea, predominio del color dorado con la intención deliberada de recrear un mundo divino, ajeno y superior al presente, efectos lumínicos mediante colores dorados, hay volumen y una perspectiva abatida. Destacan la Maesfá de Duccio y la Anunciación de Simone MartÍn. Esta pintura tiene su reflejo en España con Pere Sena y Ferrer Bassa.

EL GÓTICO INTERNACIONAL
Cronología. Esta tendencia se corresponde con la escultura expresionista de finales del XIV y se generalizará en buena parte de Europa, es una síntesis de la pintura italiana y la de Borgoña, desde un punto de vista sociológico representa el modo de vida de una nobleza en horas bajas, ilumina los Libros de Horas que sustituyen en el XIV al salterio como libro devocional y artículo de lujo, cuyo contenido trata sobre las horas de la Virgen y los Santos. Características. Se trata de una pintura elegante; Predominio de la línea; Colores brillantes e irreales; Hay algunos efectos lumínicos; Hay poco volumen; Hay perspectiva caballera, en un marco arquitectónico y paisajístico fantástico. Obras. Sirve de ejemplo Las muy artorell con su San Jorge es uno de sus mejores representantes, y en Castilla el Retablo de la Bañeza de Nicolás Franés.

EL GÓTICO FLAMENCO
Cronología. Se desarrolla a comienzos del XV en los Países Bajos posibilitando la posterior Escuela flamenca de pintura, en un contexto de prosperidad económica y el mecenazgo de los duques de Borgoña, de la Iglesia y la burguesía. Características:
●Las mejoras técnicas como la pintura al óleo y los instrumentos ópticos, cuyo uso permitirá la realización de veladuras, colores con brillo y un gran detallismo por su secado lento.
●Pintura realista, tanto en el tratamiento de los personajes (en algunos casos auténticos retratos) como en el estudio de las
calidades de objetos.
●Desarrolla una iconografía dotada de una fuerte carga simbólica, ambientada en paisajes evocadores o en interiores burgueses.
●Entre los principales representantes destacan: los hermanos Hubert y Jan van Eyck que perfeccionaron la técnica del óleo, su obra está dotada de gran armonía y muestra su preocupación por fos efectos lumínicos, su obra más importante es el Políptico del Cordero místico, Jan van Eyck por solitario fue autor de importantes retratos como la Viryen del canciller Rolin, Matrimonio Amolfini, Virgen con el Canónigo Van der Paele; Roger Van der Weyden fue discípulo de Robert Campin autor del Díptico de Santa Bárban, su obra adopta una tensión dramática y gana fuerza expresiva, que se refleja el Descendimiento del Museo del Prado, su arte es menos intelectual, con colores muy vivos.