EL MUNDO ROMANO: 2010

Filippino Lippi

Posted in | en 18:36

Fra' Filippo di Tommaso Lippi conocido como Lippo Lippi nacido en 1406 y fallecido el 8 de octubre de 1469 fue un pintor italiano del Quattrocento que sobresalió por la originalidad del paisaje y la elegancia nerviosa en el dibujo. Fue un pintor muy influyente para Botticelli. Nacido en Florencia e hijo de un carnicero, quedó huérfano de padre y madre con 2 años. Fue su tía Lapaccia quien cuidó de él hasta los ocho años donde lo admitieron en un convento de carmelitas. Influido por Masaccio del que fue su díscipulo más directo, Filippo dio a los temas clásicos una nueva intensidad con su concepción del espacio y sus efectos coloros. En 1456 raptó a una monja, Lucrecia Buti, con la más tarde y gracias a los Médici pudo casarse con ella tener a un hijo pintor también llamado Filippino Lipp. Su último trabajo fueron los frescos de la catedral de Spoleto, que no pudo acabar ya que la enfermedad le debilitó profundamente desde 1466.

Filipino Lippi, Triomphe de saint Thomas sur les hérétiques (1488-1490), Rome, Santa Maria sopra Minerva

Read Users' Comments (0)

Girolamo Savonarola

Posted in | en 18:19

Girolamo Maria Francesco Matteo Savonarola nació en Ferrara el 21 de septiembre de 1452 y falleció el 23 de mayo de 1498. Fue un religioso, confesor del gobernador de Florencia Lorenzo di Médici y organizador de las hogueras de vanidad donde se quemaron muchas obras de arte. Contribuyó a la expulsión del gobernador de Florencia en 1495 declarando a la famila Médici como corruptos. También atacó contra el papa Alejandor VI y como resultado obtuvo la excomunión, la prisión y tras haber sido liberado ser condenado a la hoguera por la Inquisición junto a la inclusión de su obra en el índice de libros prohibidos.

Después de la muerte de su abuelo, famoso médico que posiblemente influyó en él con la atracción que tenía a los problemas religiosos, se dedicó a estudiar las enseñanzas de Aristóteles y Santo Tomás. Una vez obtenido el título de maestro de dedicó a estudiar medicina sin llegar a terminarlos para comenzar con la teología. Entre 1472 y 1475 escribió dos libros en los que

atacaba al papado comparándolo con la antigua y corrupta Babilonia, a pesar de esto ingresó en el convento de San Agustín en Faenza donde se hizo predicador. Desde allí siguió atacando al papa y consiguió la devoción de hasta 15.000 personas que asistieron a sus misas.

En 1482 la orden dominica lo envía a Florencia aunque después de seguir con sus fuertes y violentos discursos tuvo que huir de la ciudad en 1487. Regresó a Bolonia donde ejerció de maestro. En 1488 volvió a Ferrara, al convento de Santa Maria degli Angeli donde se dedicó a la predicación tras haber estudiado técnicas para la exposición al público. En 1491 se le entregó la titularidad de la iglesia de San Marco en Florencia desde donde atacó directamente y de una forma brusca al Papa Inocencio VIII. La gente se le volvió a acercar ya que sus profecias se cumplían como la derrota de Florencia contra los franceses en esos años o los lujos de los ricos con respecto a la pobreza de la mayoría de los ciudadanos. Esto junto a una epidemia de sífilis hizo que se pensase que era el profeta de los "últimos tiempos".

..........................

En 1497 fue expulsado de la Iglesia tras sus críticas a los amigos y al papa Alejandro VI y en 1498 ordenó el papa su ejecución. Lo quemaron en la hoguera en el mismo lugar donde él había ordenado la muerte a numerosas personas y había tenido lugar la hoguera de vanidad. Se dice que quien encendió la llama de aquella hoguera gritó:

El que más quemó ahora él mismo pasto de las llamas.

Savonarola se adelantó a la reforma moral que iba a sufrir la Iglesia con el Protestantismo y la Contrarreforma. Después de su muerte se mantuvo su memoria gracias a la creación de un gremio llamado Piagnoni, también la orden de San Francisco apoyó sus ideas con lo que en 1527 volvieron a expulsar a los gobernantes de la familia Médici

Read Users' Comments (0)

San Francisco de Asís

Posted in | en 18:13

Hijo de un rico mercader llamado Pietro di Bernardone, Francisco de Asís era un joven mundano de cierto renombre en su ciudad.

En 1202 fue encarcelado por unos meses a causa de su participación en un altercado entre las ciudades de Asís y Perugia. Tras este lance, aquejado por una enfermedad e insatisfecho con el tipo de vida que llevaba, decidió entregarse al apostolado y servir a los pobres. En 1206 renunció públicamente a los bienes de su padre y vivió a partir de entonces como un ermitaño.

San Francisco de Asís predicó la pobreza como un valor y propuso un modo de vida sencillo basado en los ideales de los Evangelios. El papa Inocencio III aprobó su modelo de vida religiosa, le concedió permiso para predicar y lo ordenó diácono. Con el tiempo, el número de sus adeptos fue aumentando y Francisco comenzó a formar una orden religiosa, la de los franciscanos. Además, con la colaboración de santa Clara, fundó la rama femenina de su orden, que recibió el nombre de clarisas.

Sin embargo, la dirección de la orden no tardó en pasar a los miembros más prácticos, como el cardenal Ugolino (que luego fue Papa) y el hermano Elías, y él pudo dedicarse por entero a la vida contemplativa. Durante este retiro, San Francisco de Asís recibió los estigmas (las heridas de Cristo en su propio cuerpo), según testimonio de él mismo, y compuso el poema Cántico de las criaturas o Cántico del hermano sol, que influyó en buena parte de la poesía mística española posterior.
San Francisco de Asís fue canonizado dos años después de su muerte, el 15 de julio de 1226, y sus sucesores lo admiraron tanto por su modelo de austeridad como por su sensibilidad poética.

Read Users' Comments (0)

Cosme de Médici

Posted in | en 17:58

Cosme de Médici, en italiano Cosimo de' Medici, (Florencia 1389 - Florencia 1464). Fue un político y banquero italiano, fundador de la dinastía de los Médici, dirigentes efectivos de Florencia durante una buena parte del Renacimiento italiano. Se le conoció también con el nombre de Cosme el viejo y "Cosimo Pater Patriae" (Padre de la Patria).

Tras la muerte de su padre en 1429, se opuso al régimen oligárquico por entonces establecido en Florencia, en el que prevalecía la familia rival de los Albizzi. La influencia de Cosme de Médici, dotado de un excepcional sentido político, adquirió más importancia cuando el jefe de la oligarquía Rinaldo Albizzi le hizo arrestar en 1433 acusándole de malversación. Fue encarcelado en el Palazzo Vecchio y enviado al exilio durante diez años. Cosme se instaló en Venecia, sin perder el contacto con los partisanos.
Albizzi mantuvo un duro enfrentamiento con sus enemigos; ni su prestigio, ni su dinero intimidaron a sus adversarios y, un año más tarde, Cosme regresó a Florencia. Triunfante y aclamado por el pueblo desterró a su rival.
Como su padre, en otro tiempo, fue nombrado gonfaloniere de Florencia en 1434, lo que le permitió llevar a cabo sus deseos políticos, intentando convertir a su familia en el árbitro del Estado florentino. Impulsó la política exterior y ejerció, por medio de la misma, una gran influencia en toda Italia. Utilizó para este fin, y en diferentes direcciones, su extraordinaria fortuna proveniente de la banca herencia de su padre, que poseía varias filiales en diversos Estados italianos y en el extranjero.

Fue el fundador del mecenazgo de los Médici. Amante del arte y de las ciencias, puso al servicio de las mismas su fortuna con la liberalidad de un gran señor, toda Florencia siguió su ejemplo. Gran coleccionista, se hizo aconsejar por Donatello con el que entabló amistad y le animó en sus adquisiciones artísticas.

Read Users' Comments (0)

Piero della Francesca

Posted in | en 19:58

Será la localidad toscana del Borgo de San Sepolcro, hoy día llamada Sansepolcro, la que verá nacer a Piero della Francesca aproximadamente hacia finales de la década de los años veinte (se barajan diversas fechas a la hora de establecer su nacimiento, desde 1416 hasta 1420) y la que, de igual modo, le verá fallecer en octubre de 1492 (estando Piero Della Francesca a lo largo de toda su vida muy vinculado a ella).

A pesar de que se cree que su formación inicial debió recibirla en dicha localidad, suele considerarse Florencia como la ciudad que artísticamente le alumbró (su obra recoge influencias de artistas florentinos como Masaccio, Paolo Ucello o Leo Battista Alberti y su concepción del espacio). Así, se sabe que ya en fecha de 1439 está en Florencia, trabajando con Domenico Veneziano en la realización de una serie de frescos, trasladándose en 1442 de nuevo a su pueblo natal, donde recibirá el encargo de realizar un Políptico (1445-1462) para la Compañía de la Misericordia y la conocida pintura El Bautismo de Cristo (1448-1450).

En 1451, Piero della Francesca se encuentra trabajando en Rímini en el Templo de los Malatestianos al servicio de Sigismondo Malatesta, para quien realizará un fresco de concepción alegórica en el que aparece junto a su santo homónimo, pasando ya en 1458 a disposición del Papa Pío II en Roma (con el encargo de decorar la cámara del mismo). Será en esta época también cuando comience uno de sus principales trabajos: la decoración de la capilla mayor de la iglesia de San Francisco, en la localidad de Arezzo.

Durante la segunda mitad del s.XV, en la década de los años sesenta y setenta, Piero Della Francesca va a establecer una estrecha relación con los duques de Urbino (de quienes realizará sendos magníficos retratos junto con otro buen número de obras, destacando, por encima de todas las demás, la conocida como Pala de Brera), abandonando la pintura hacia finales de 1470 debido a una enfermedad y pasando a dedicarse, hasta su muerte, a recopilar por escrito sus conocimientos acerca de la perspectiva y las matemáticas (tratados suyos serán. De prospectiva pingendi, Trattato d'abaco y De quinque corporibus regularibus).

Principales obras de Piero della Francesca

Ya en una de sus obras más tempranas, caso del Bautismo de Cristo (1448-1450), se puede apreciar la delicadeza y contención que caracterizará al conjunto de su producción, así como su preocupación por conseguir la plasmación de un espacio verídico y la correcta ubicación de las figuras en el mismo. Además, en sus composiciones, ordenadísimas, la sencillez es siempre aparente, existiendo detrás de la misma un concienzudo ejercicio de observación y traslación de las líneas perspectivas, las cuales conducirán, invariablemente, la mirada del espectador de la obra adonde el pintor desee (siendo fácilmente apreciable en este caso). Y será el tratamiento impreso al color y la luz el encargado de resaltar el volumen de los protagonistas de la escena, reafirmando con ello su presencia finalmente.

Mucho más compleja es la obra Virgen con el Niño, seis santos, cuatro ángeles y el duque Federico II de Montefeltro (1472-1474), también llamada Pala de Brera debido a su ubicación, en la que realiza un excepcional ejercicio geométrico en la composición básica del dibujo y un uso maestro de la luz (que aquí emplea para individualizar a cada uno de los personajes y configurar el espacio).

En esta obra todas las proporciones están perfectamente medidas, tanto de los personajes entre sí como de éstos con la arquitectura circundante (existe una clara correspondencia entre la forma en la que se encuentra dispuesto el grupo central y la bóveda ubicada encima del mismo), en un espacio completamente racionalizado. Junto con esto, en dicha pintura se puede observar la influencia flamenca, apreciable en sus últimas obras, en la majestuosidad, un tanto fría, de los personajes y en el tratamiento de paños y detalles.

Serán sin embargo los frescos de la Leyenda de la Vera Cruz, realizados con objeto de decorar la capilla mayor de la Iglesia de San Francesco, su obra maestra. Aunque existen dudas acerca de la fecha de inicio del trabajo de Piero suele aceptarse, de manera casi unánime, el año de 1452 para dicha datación, siendo más difícil sin embargo precisar el momento de término de la obra (hay autores que han considerado los aledaños de 1458 como la fecha más probable frente a aquellos que lo establecerían en 1466).

En esta serie de pinturas, Piero Della Francesca alcanza un equilibrio perfecto entre las distintas partes, todas ellas aunadas gracias a la especial atmósfera luminosa (en este caso plena de contrastes y que acentuará el estatismo de los personajes) característica de su obra y a su dominio del espacio y la composición, dando lugar a un conjunto en el que espiritualidad y grandiosidad se alzan como principales protagonistas.

Read Users' Comments (0)

Ghiberti

Posted in | en 19:33

Lorenzo de Bartoluccio, alias Lorenzon GHIBERTI (Florencia, 1378 - Florencia, 1 de diciembre de 1455), hijo y aprendiz de un orfebre florentino, fue el primer escultor que basó su arte en la cultura, en las fuentes del Humanismo. Sus Puertas del Baptisterio de Florencia son consideradas las inauguradoras del arte del Renacimiento. Amigo asiduo de artistas, humanistas y erúditos, Ghiberti estudió los clásicos, Plionio, Ateneo el Viejo, Vitrubio..., y fue un propagador activo de las ideas humanistas, así como uno de los primeros coleccionistas de arte antiguo. Aunque dedicado principalmente a la escultura, también ejerció de arquitecto y de pintor, y en sus últimos años escribió el libro I Comentarî, sobre diversos aspectos del arte.

En 1402, en competencia con Brunelleschi y otros arquitectos afamados como Jacopo della Quercia, es cuando gana el concurso para la realización de las dos puertas que le restaban al Baptisterio de San Giovanni de Florencia. Las segundas que realizó, las Puertas del Paraíso, de una belleza incomparable, son consideradas la cima máxima del relieve renacentista.

Sus esculturas traslucen una elegancia lírica acompañada de perfección técnica así como el interés que tenía por la sencillez clásica de peso y volumen. En sus primeros trabajos se observan todavía numerosas reminiscencias góticas, pero conforme va avanzando el siglo XV va desarrollando sus nuevas ideas de corte renacentista con mayor intensidad, como se desprende de una observación de la evolución de su obra, que va tendiendo hacia una representación más naturalista del movimiento, el volumen y la perspectiva, así como una idealización mayor del tema.

En sus últimos años de vida, entre 1447 y 1448, escribió un tratado de arte en tres volúmenes, un manuscrito que dejó inacabado, llamado I Comentarî. En él realiza una historia del arte y de los artistas, tanto antiguos como del Trecento, desde el propio arte y, a la vez, trata de establecer la base científica del arte figurativo basándose en la óptica y en la teoría de las proporciones. Entendía Ghiberti la escultura, y también la pintura, no como artes de acción, artes mecánicas, sino como el resultado de la integración entre la técnica, la materia, y el razonamiento, la invención. I Comentarî refleja, además, el mundo del propio Ghiberti con una voluntad autobiográfica hasta entonces desconocida en los tratados de crítica del arte.

Ghiberti es conocido fundamentalmente por sus puertas para el Baptisterio de Florencia, consideradas las primeras inaguradoras del arte del Renacimiento y las segundas, las Puertas del Paraíso, como la cúspide del relieve renacentista. Estas obras hacen a menudo sombra a otras creaciones del artista que son igualmente merecedoras de reconocimiento. Mientras ejecutaba sus primeras Puertas del Baptisterio, fue maestro de obras de la iglesia de Orsanmichele. En su escultura destacan, por ejemplo, sus estatuas monumentales de San Mateo (1419-1421) para el gremio de cambistas de Orsanmichele o las de San Esteban (1425-1426) para el gremio de tejedores de lana. También a recordar sus bajorrelieves en bronce para la Fuente bautismal de la Catedral de Siena (1417-1427), con escenas como el Bautismo de Cristo o San Juan conducido ante Herodes, así como el Relicario en bronce de San Cenobio y otras tantas obras.

Segundas Puertas del Baptisterio principal de San Giovanni de Florencia.

La realización de las dos puertas que le restaban al Baptisterio de Florencia, para situarlas junto a las primeras que Andrea Pisano realizó en Trecento, fue el trabajo que Ghiberti consiguió al ganar el concurso de relieve sobre el Sacrificio de Isaac en 1402. Trabajó en las primeras durante más de veinte años, entre 1403 y 1424, ayudado por sus discípulos. Cada batiente contiene catorce relieves en bronce dorado, con marco cuadrifolio y de un modelado extraordinario, en los que están representados episodios de la vida de Cristo y los padres de la Iglesia, como la Flagelación, Jesús ante los Doctores, Cristo en la tempestad o La oración en el huerto. Mucho tienen aún estos relieves del estilo gótico, deudores en gran medida del arte de su predecesor Andrea Pisano, un arte que intenta valorar la figura frente al vacío del entorno, pero se advierten claramente rasgos renacentistas. Tanto la perspectiva arquitectónica como la construcción de los cuerpos consiguen efectos de una gran expresividad plástica, se adivina una mayor preocupación por la profundidad del espacio pictórico, la ejecución de las figuras toma más importancia que la de los ropajes y se observa un creciente interés por el Mundo Antiguo, factores todos ellos que evidencian la irrupción del Renacimiento artístico.

El excelente trabajo que realizó con las segundas Puertas del Baptisterio de Florencia hizo que Ghiberti fuera considerado también el más adecuado para ser el artista que decorara las terceras. Así, emprendió en 1425 la realización de los relieves en bronce dorado de las últimas Puertas, que no finalizaría hasta 1452. Las puertas que, merced a su impresionante hermosura, Miguel Ángel bautizaría como las Puertas del Paraíso. El programa iconográfico de estas terceras Puertas de Baptisterio levantó encendidas polémicas entre los humanistas florentinos, como Leonardo Bruni, Ambrosio Travesari, Niccolò de Uzzano y Niccolò Niccoli, pues Ghiberti optó por modificar totalmente la estructura trecentista de Andrea Pisano que había mantenido en las segundas. El espacio disponible queda dividido en diez cuadros, cinco para cada batiente, inscritos en una rica y estrecha orla. La reducción del número de espacios ocasionó que dos o más episodios del programa tuvieran que fundirse en un solo cuadrado, creando en consecuencia un principio narrativo necesariamente distinto al de sus primeras Puertas. Si en éstas la figura humana concreta el espacio, en las segundas el paisaje y las perspectivas arquitectónicas dan fondo a las movidas escenas.
Difícilmente el arte del relieve ha superado tal grado de perfección. Del bajo al alto relieve, los fondos y las figuras van emergiendo de la superficie hasta alcanzar una plena corporeidad, aunque los cuerpos henchidos del clasicismo no llegan a perder la armonía y la fragilidad de movimiento del último Gótico. Y, del mismo modo, las arquitecturas, aunque concebidas bajo en conocimiento de la invención brunelleschiana, no llegan a crear un eje inmóvil en el que coincidan todas las líneas del cono visual, sino que obedece al principio medieval del punto de vista variable que Ghiberti llama "región del ojo". Aunque todavía se mantienen resabios del Gótico, es evidente la evolución del estilo ghibertiano hacia un Renacimiento más pleno.
El resultado de ese encuentro entre conceptos artísticos, ya que no opuestos, diferentes, es una síntesis que alcanza la perfección, una perfección que hizo exclamar a Miguel Ángel que aquellas Puertas, por su belleza, debían ser las que abrieran el Paraíso. Aunque la belleza del bronce ghibertiano al parecer no alcanzó la gloria que según Miguel Ángel merecía, lo cierto es que cuando en 1452 las Puertas de Ghiberti iban a ser colocadas en el lado sur del Baptisterio, dada su hermosura merecieron el honor de desplazar a las de Andrea Pisano para encararse con la gran portada de la catedral principal de Florencia, Santa María dei Fiori. En su inacabado manuscrito I Comentarî, Ghiberti considera que de todas sus obras la creación más extraordinaria son estas terceras Puertas del Baptisterio, realizadas "con la mayor habilidad, la mayor ponderación y el máximo espíritu de aventura".

Read Users' Comments (0)

Duccio di Buoninsegna

Posted in | en 19:11

Pocos datos se tienen sobre los orígenes y la formación artística de Duccio di Bouninsegna. Aparece por primera vez citado en unos documentos de 1278 y relativos al pago por la decoración de unastapas de unos libros y unos cofres de madera que le había encargado el Ayuntamiento de Siena. Seestima 1255 como su posible año de nacimiento; y murió hacia 1319, pues en ese año a su mujer se la menciona como viuda en un documento municipal. Duccio trabajó para el Ayuntamiento de Siena de manera casi continua hasta 1295. Desempeñótareas de iluminador de libros y pintor de planchas de madera con las que se cubrían los documentos. En ocasiones, ya al final de su vida, fue llamado para asesorar sobre la ubicación de obras y fuentes públicas en la ciudad.
La primera gran obra documentada de Duccio es la tabla Madonna Rucellai, encargada por una cofradía para la iglesia florentina de Santa Maria Novella. En ella se aprecian las notas que dominaron su estilo durante esta primera etapa: la influencia de Cimabue como maestro e inmediato precedente, la monumentalidad de las figuras y la presencia de soluciones y tipos compositivos arcaicos según la tradición bizantina (Virgen como trono del Niño, fondos de oro, etc.). Sin perder algunos de estos rasgos –pues su carácter pictórico fue siempre más bizantino que gótico–, su pintura paulatinamente dio muestras de una mayor consideración anatómica de los cuerpos, humanizó e hizo amables los rostros, acentuó el sentido narrativo de sus escenas, aprendió a modular la luz, introdujo valores de claroscuro en las superficies y desarrolló cierto preciosismo cromático.
Duccio diseñó para el Duomo de Siena, en 1288, las vidrieras para el rosetón circular. Y entre 1308-1311 realizó la gran pala para el retablo mayor de dicho Doumo, conocida como Maiestà y considera su obra cumbre. Después, y hasta su muerte, Duccio pintó cuatro trípticos, con los su estilo alcanzó la madurez. La obra y los logros pictóricos alcanzados por Duccio constituyeron la base para el desarrollo de la pintura sienesa del Trecento. Es casi seguro que Duccio estuviera en Asís, pero no para trabajar a las órdenes de Cimabue en los frescos de la Iglesia de San Francisco, sino como pintor que acudía al lugar donde los artistas estaban reformando el lenguaje pictórico. Allí también estaban trabajando Giotto, Lorenzetti y Simone Martini.

Obras más conocidas

- Madonna con Niño / Madonna con Bambino - Tempera y oro sobre tabla - Museo d'arte sacra della Val d'Arbia, Buonconvento, cerca de Siena

- Madonna con Niño y dos ángeles / Madonna con Bambino e due angeli (c. 1280) - También conocida como la Madonna Crevole / Madonna di Crevole - Tempera y oro sobre madera - Museo dell'Opera della Metropolitana, Siena

- Madonna con Niño entronizada y seis ángeles / Madonna con Bambino in trono e sei angeli (c. 1285) - También conocida como la Madonna Rucellai / Madonna Rucellai - Tempera y oro sobre tabla - Galleria degli Uffizi, Florencia, Italy, en depósito de Santa Maria Novella, Florencia, Italia

- Crucifijo / Crocifisso - Tempera sobre madera - Colección Odescalchi, Roma, primeramente en el Castello Orsini de Bracciano

- Madonna de los franciscanos / Madonna dei franciscani (c. 1300) - Tempera y oro sobre madera - Pinacoteca Nazionale, Siena

- Asunción, Sepultura y Coronación de la Virgen / Assunzione, Sepoltura e Incoronazione della Vergine - Vidriera de colores - Duomo, Siena

- Maiestà (Madonna con Niño y seis ángeles / Madonna con Bambino e sei angeli) - Tempera y oro sobre madera - Kunstmuseum, Berna, Suiza

- Madonna y Niño / Madonna con Bambino - Tempera y oro sobre madera - Metropolitan Museum of Art, Nueva York (anteriormente en la colección Stoclet, Bruselas, Bélgica)

- Madonna con Niño y seis Ángeles / Madonna con Bambino e sei angeli - Tempera y oro sobre tabla - Galleria Nazionale dell'Umbria, Perugia, Italia

- Políptico: Madonna con Niño con los santos Agustín, Pablo, Pedro, Domingo, cuatro ángeles y Cristo bendiciendo / Madonna con Bambino e con i santi Agostino, Paolo, Pietro, Domenico, quattro angeli e Cristo benedicente (c. 1305) - También conocido como Dossale n.º 28 - Tempera y oro sobre tabla - Pinacoteca Nazionale, Siena

- Políptico n.º 47: Madonna y Niño con santos: Inés, Juan Evangelista, Juan el Bautista y María Magdalaena; diez patriarcas y profetas, con Cristop bendiciendo / Madonna con Bambino e con i santi Agnese, Giovanni Evangelista, Giovanni Battista e Maria Maddalena; dieci patriarchi e profeti, e Cristo benedicente - Tempera y oro sobre tabla - Pinacoteca Nazionale, Siena

- La rendición del castillo de Giuncarico / La resa del castello di Giuncarico - Fresco - Palazzo pubblico, Siena

- "Cristo y la Samaritana", tabla secundaria de la "Maiestà" de Siena. Madrid, Museo Thyssen-Bornemisza

- Maiestà con episodios de la Pasión de Cristo / Maiestà e Storie della Passione di Cristo - Tempera y oro sobre tabla - Duomo, Massa Marittima, Italia

- Pequeño tríptico: Flagelación de Cristo; Crucifixión con ángeles; Deposición en la tumba / Flagellazione di Cristo; Crocifissione; Deposizione nel Sepolcro - Tempera y oro sobre tabla - Società di Esecutori di Pie Deposizioni, Siena

- Pequeño tríptico: Madonna y Niño con cuatro ángeles, los santos Domingo, Inés y siete profetas / Madonna con Bambino e con quattro angeli, i santi Domenico, Agnese, e sette profeti - Tempera y otro sobre tabla - National Gallery de Londres, Londres, Reino Unido

- Retablo portátil: Crucifixión con Cristo bendiciendo; san Nicolás; san Gregorio / Crocifissione con Cristo benedicente; San Nicola; San Gregorio - Tempera y oro sobre tabla - Museum of Fine Arts, Boston, Massachusetts, EE. UU.

- Pequeño tríptico: Crucifixión con ángeles; Anunciación y Madonna con Niño y Ángeles; Stigmata de san Francisco con Madonna y Cristo entronizado / Crocifissione e angeli; Annunciazione e Madonna con Bambino e angeli; Stimmate di san Francesco e Madonna con Cristo in trono - Tempera y oro sobre tabla - Colecciones reales, Hampton Court, cerca de Londres, Reino Unido

- Maiestà (Madonna con Niño entronizada y veinte ángeles y diecinueve santos / Madonna con Bambino in trono e venti angeli e dicianove santi) - Tempera y oro sobre tabla - Museo dell'Opera della Metropolitana, Siena

Read Users' Comments (0)

Sandro Botticelli

Posted in | en 20:05

(Florencia 1444 – 1510)Sandro Botticelli es el sobrenombre con el que es conocido Alessandro di Mariano Filipepi, pintor, dibujante y grabador italiano del Renacimiento.

Era el menor de cuatro hijos de Mariano Filipepi, curtidor, quien deseaba que el joven Sandro (diminutivo de Alessandro) aprendiera el mismo oficio y continuara el negocio. Pero la inclinación que demostró hacia el arte , obligó a su padre a dedicarle a un oficio más en corcondancia con las aficiones del niño, logrando que ingresara como aprendiz en el obrador de un joven llamado Botticello, diminutivo italiano de la palabra "tonel" y que probablemente hiciera referencia a su obesidad, quien le adoptó y le protegió. De él deriva el apodo de Botticelli. Algunos dicen que era su propio hermano, que se dedicaba a la orfebrería.

Tuvo su vida poco relieve, comparada con la de sus grandes contemporáneos. Invitado a pintar en la Capilla Sixtina, conoció a Leonardo de Vinci en el taller de Verrochio y quedó influido por Girolamo Savonarola. Los sermones apocalípticos de este monje benedictino, que predicaba contra las obras de arte pagano y propugnaba la utilización del arte como instrumento teológico, hicieron mella en Botticelli. Hasta tal punto que llegó a quemar algunas de sus obras paganas. Fue a partir de entonces cuando la obra de Botticelli sufrió un cambio radical: abandonó definitivamente los temas mitológicos y se dedicó en cuerpo y alma a la producción de obras de contenido religioso.

Habían sido sus maestros Fra Filippo Lippi y Antonio Pollaiuola, con quien, al parecer, tuvo ciertas discusiones en el taller de Verrochio, donde se reunían filósofos y artistas. Fruto de aquel ambiente sería la predilección de Botticelli por los temas que abordó en sus obras, que le sitúan en el grupo de pintores renacentistas de su país.

Según palabras de Salomón Reinach, sin ser, ni pretender serlo, un colorista, Botticelli realzaba con el color el “trémolo” continuo y contagioso de sus líneas. Cuando su labor es tan admirable como en La Primavera de la Academia de Florencia, ofrece la más perfecta expresión de lo humano y la quintaesencia de la distinción florentina.

Sus cuadros religiosos, por el estilo libre, fluido y algo sensual, se distinguen poco de aquellos en que trataba temas profanos: sorprende la semejanza de recursos y sensibilidad existente en la Virgen y Venus, o entre los Ángeles religiosos y las Gracias profanas. Se distinguen sus obras por las calidades líricas de la línea y el color, y por un equilibrio casi perfecto entre las figuras y los objetos. Tal se advierte en su famoso cuadro El nacimiento de Venus, donde logra un obsesionante efecto circular gracias a la redondez de los hombros de la figura neoclásica central, los vestidos agitados por el viento en algunas figuras y la concha circular de la que surge Venus.

Por encargo de la familia Médicis trazó este gran pintor las ilustraciones para la Divina Comedia de Dante, lo cual ha permitido decir a Walter Pater que había sido necesario esperar al siglo XV y a la colaboración de Botticelli, para que Dante pudiera tener ilustrada tan magnífica obra.

Botticelli produjo, además de las obras pictóricas citadas, Magnificat, Judit y San Agustín, hoy en Florencia; y la titulada Retrato de una joven, en Washington.

Read Users' Comments (0)

Donatello

Posted in | en 19:39

(Donato di Betto Bardi ; Florencia, 1386-id., 1466) Escultor italiano. Junto con Alberti, Brunelleschi y Masaccio, fue uno de los creadores del estilo renacentista y uno de los artistas más grandes del Renacimiento. Su formación junto a Ghiberti le dejó un importante legado técnico pero casi ningún vestigio estilístico, ya que desde sus comienzos desarrolló un estilo propio basado en la fuerza emocional, y en un singular sentido del movimiento.

Su revolucionaria concepción de la escultura resulta evidente ya en las grandes estatuas para nichos destinadas a Orsanmichele y la catedral de Florencia. La gravedad y el realismo de estas monumentales figuras de mármol contrastan vivamente con la gracia y el decorativismo del

gótico internacional, el estilo vigente en Europa hasta entonces. Donatello comenzó esta serie en 1411 con el San Marcos y la concluyó en 1436 con el llamado Zuccone. A esta serie pertenece también el San Jorge, su primera obra famosa, de la que Vasari afirmó: «Posee el maravilloso don de moverse dentro de la piedra».

Tras asociarse con su aprendiz Michelozzo, Donatello emprendió a partir de 1427 la realización en Pisa de la tumba del cardenal Brancacci, en la que esculpió en relieve el tema de la Asunción de la Virgen. Poco después, la tumba de Baldasare Coscia para el baptisterio de Florencia permitió al artista dar sus primeros pasos en el difícil arte de la fundición en bronce.

El viaje a Roma que realizó el escultor hacia 1430-1432 condicionó de manera decisiva toda su producción posterior, ya que le brindó la oportunidad de conocer en directo el arte de la Antigüedad. A su regreso a Florencia comenzó la famosa Cantoría para la catedral, en la que recreó libremente algunos de los motivos clásicos admirados en Roma. Poco posterior es su escultura exenta más famosa, el David en bronce, comparable en ciertos aspectos al San Jorge de su etapa anterior.

En 1443, el artista se estableció en Padua, seguramente después de haber recibido el encargo de esculpir la estatua ecuestre del Gattamelata, la primera de tamaño natural desde la Antigüedad.

Realizada al estilo del Marco Aurelio romano, posee la fuerza expresiva característica de sus estatuas anteriores, una fuerza que se transmite también al caballo, representado con brío y vitalidad.

En la misma ciudad obró el retablo mayor del santuario de San Antonio, en el cual combinó siete estatuas y cuatro relieves, en una disposición que fue modificada en el siglo XVI. En estos relieves, que representan los milagros de San Antonio, son por igual magistrales el sentido dramático y la organización del espacio. Donatello volvió en 1454 a Florencia, donde esculpió sus obras de mayor fuerza emocional en las que trabajó las posibilidades expresivas de la deformación. A este período corresponden Judit y Holofernes y la sublime María Magdalena, en madera. Aunque no tuvo un heredero directo, Donatello influyó de forma decisiva en la escultura florentina hasta comienzos del siglo XVI.

Read Users' Comments (0)

Filippo Brunelleschi

Posted in | en 19:31

(Florencia, 1377-id., 1445) Arquitecto y escultor italiano. Fue el arquitecto italiano más famoso del siglo XV y, con Alberti, Donatello y Masaccio, uno de los creadores del estilo renacentista. Se formó como escultor y orfebre e inició su carrera en el ámbito de la escultura. No es de extrañar, por tanto, que participara en el concurso para la realización de las puertas del baptisterio de Florencia en 1401, certamen en el que quedó segundo, después de Ghiberti. Se dice que su decepción por este relativo fracaso fue tal que en lo sucesivo decidió dedicarse casi exclusivamente a la arquitectura.

Sus profundos conocimientos matemáticos y su entusiasmo por esta ciencia le facilitaron el camino, además de llevarle al descubrimiento de la perspectiva, la clave del arte del Renacimiento. A Brunelleschi se debe, de hecho, la formulación de las leyes de la perspectiva central, tal como afirma Alberti en su famoso tratado Della pintura.

Pero en su época, su fama estuvo asociada, sobre todo, a la cúpula de la catedral de su ciudad natal, Florencia, ya que sus conocimientos de ingeniería le permitieron solventar los problemas, en apariencia insolubles, de la construcción de dicha cúpula, por lo que sus conciudadanos lo reverenciaron. De hecho, en la actualidad la cúpula continúa siendo su obra más admirada.

A partir de los monumentos clásicos y de las realizaciones del románico toscano, creó un estilo arquitectónico muy personal, en el que desempeñan un papel fundamental las matemáticas, las proporciones y los juegos de perspectiva. En todos los edificios que llevan su firma, las partes se relacionan entre sí y con el todo mediante fórmulas matemáticas, de manera que, por ejemplo, una sección es la mitad o la cuarta parte del todo, etc.

También entran en juego las combinaciones de diferentes figuras geométricas (cuadrado, círculo, triángulo), ya que para Brunelleschi, como buen renacentista, la estética no era un juego de azar sino el resultado de la correcta aplicación de una serie de leyes preestablecidas. Precisamente por ello, sus edificios no son aptos para suscitar emociones sino para intentar comprender fría y racionalmente las leyes que el artista quiso plasmar a través de sus realizaciones.

Su arquitectura elegante y moderadamente ornamental queda compendiada a la perfección en dos espléndidas creaciones: la capilla Pazzi y la Sacristía Vieja de San Lorenzo. Son dos obras de planta central, basadas en la armonía visual y en la alternancia, característica del artista, entre arenisca gris y estuco blanco. Pese a la importancia de su figura, la influencia de Brunelleschi en las generaciones posteriores fue muy limitada. Sin embargo, quien sin duda se inspiró de algún modo en él para sus realizaciones arquitectónicas fue Miguel Ángel.

Read Users' Comments (0)

Tommaso Cassai Masaccio

Posted in | en 19:20

El primer gran pintor del renacimiento italiano cuyas innovaciones en el empleo de la perspectiva científica abrieron el periodo de la pintura moderna. Masaccio, cuyo verdadero nombre era Tommaso Cassai, nació en San Giovanni Valdarno, cerca de Florencia en 1401. En 1422 pasó a formar parte del gremio de pintores florentinos. Su personal estilo pictórico debe poco a otros maestros, si exceptuamos la gran figura del siglo XIV, Giotto, aunque hay una gran diferencia entre ambos, los personajes de Giotto recuerdan piedras labradas, mientras que los de Masaccio parecen de carne y hueso. Masaccio estará más influido por el arquitecto Brunelleschi y por el escultor Donatello, contemporáneos con los que comparte una visión artística renovadora, estableciendo juntos las bases del nuevo lenguaje renacentista. De Brunelleschi adquiere el conocimiento de la proporción matemática, crucial para la recuperación de los principios de la perspectiva científica. De Donatello adopta su conocimiento del arte clásico que le aparta para siempre del estilo gótico. Masaccio inaugura una nueva aproximación naturalista en el arte de la pintura, que atiende más a la simplicidad y unidad de la composición, a la representación del espacio tridimensional que a los detalles y decoración. Sólo sobreviven cuatro obras atribuidas con certeza a Masaccio, si bien se le han atribuido otras pinturas total o parcialmente.

Todas sus obras, retablos o frescos de iglesias, se centran en el tema religioso. La más temprana, La Virgen con santa Ana (c. 1423, Uffizi, Florencia), muestra la influencia de Donatello en las texturas realistas de las carnaciones y en la rotundidad de las formas. En el fresco de La Santísima Trinidad con San Juan y la Virgen (c. 1425, Santa Maria Novella, Florencia), la escena queda emplazada dentro de un marco arquitectónico clasicista en el que el espacio por vez primera tiene perspectiva. El retablo para la iglesia de Santa Maria del Carmine de Pisa (1426), muestra en el panel central la Adoración de los Magos (hoy en el Staatliche Museen, Berlín), donde el tratamiento se aleja del carácter decorativo tradicional propio del tema, en aras de una mayor simplicidad y austeridad. Otra de las grandes innovaciones de Masaccio —el empleo de la luz en el modelado del cuerpo y los ropajes— se observa en la serie de frescos (c. 1427) de la capilla Brancacci en la iglesia de Santa Maria del Carmine de Florencia. En ellos, Masaccio más que bañar las escenas con una luz uniforme, refleja en el espacio pictórico el equivalente a un foco lumínico único y direccional (la ventana real de la capilla), creando así un juego de luces y sombras (claroscuro) que proporciona a los temas un aspecto natural y realista desconocido en el arte anterior. Se trata de una serie de seis frescos, entre los que El tributo de la moneda y La expulsión del Paraíso se consideran obras maestras. La obra de Masaccio ejerció una profunda influencia en la evolución del arte florentino posterior, en especial en la obra de Miguel Ángel.

Read Users' Comments (0)

Angel Giotto di Bondone

Posted in | en 16:18

Angel Giotto di Bondone, pintor y arquitecto italiano del Trecento considerado uno de los primeros artistas que contribuyó a la creación del Renacimiento italiano.

Tuvo por maestro a Cimabue, quien le halló en cierta ocasión dibujando con carbón las ovejas que, como zagal, apacentaba. De su juventud datan las 28 escenas de la vida de San Francisco, que pintó para el cuerpo superior de la iglesia de Asís, siendo ya de un período más avanzado de su vida los frescos que pintó para el cuerpo inferior de dicha iglesia, con alegorías de las virtudes Pobreza, Castidad y Obediencia y la Apoteosis de los santos. Giotto trabajaba en Roma en los últimos años del siglo XIII; en 1298 ejecutó un cuadro de mosaico.

Pintó, además, en esta época en la tribuna de San Pedro, cinco escenas de la vida de Cristo, el cuadro mayor de la sacristía, y luego, en los muros de la antigua iglesia de San Pedro unas escenas del Antiguo y del Nuevo Testamento que ya no existen. En San Juan de Letrán hay también un fresco de Giotto que representa a Bonifacio VIII anunciando el jubileo de 1300. Parece que después de su permanencia en Roma pintó los frescos Infierno y Paraíso, de Bargello, los cuales están muy deteriorados.

En 1303 Giotto decoró, en Padua, la capilla Scrovegni de la iglesia de Santa María de la Arena, con unos frescos que se distinguen por la excelente combinación de la arquitectura con la pintura y son escenas del Antiguo y del Nuevo Testamento, la Ascensión y, en el zócalo, figuras alegóricas que en el siglo XIV fueron preferidas por los artistas.

En 1328 el duque Carlos de Calabria le encargó un retrato suyo para el palacio de la Señoría y, por mediación de Carlos, le llamó a Nápoles (1330) el rey Alberto; pero las pinturas allí existentes y a él atribuidas, no son suyas, con todo y revelar su influencia.

En 1334 volvió a Florencia, siendo nombrado arquitecto de aquella catedral y de todos los edificios públicos. Empezó el decorado de la fachada, y en 1336 la construcción del campanario, a cuya terminación no sobrevivió. En el Museo Brera de Milán se halla el retablo representando a la Virgen con los ángeles.

Tanto en la técnica como en la aplicación del color fue un verdadero innovador; dio a los colores claridad y transparencia e introdujo en el arte pictórico una distribución de luz y sombras, moderada, amplia, y plástica.

Ennobleció las proporciones, dio a las figuras movimientos de vida y gestos lleno de expresión. Es, pues, uno de los más brillantes pintores italianos que transformaron la pintura no sólo variando el método y el procedimiento, sino que creó un ideal, haciendo un arte nuevo, dándole nueva expresión, pasión y vida; llenó sus cuadros de gracia suave, reemplazó las monótonas vestiduras por otras con arreglo a la edad, situación y sexo.

Read Users' Comments (0)

Pisa

Posted in | en 17:13

Ver Pisa en un mapa más grande

La Catedral

El corazón de la Piazza dei Miracoli es el Duomo, la catedral medieval dedicada a la Asunción de la Virgen (Santa Maria Assunta, en italiano). Es una basílica de cinco naves con un transepto de tres naves. Se empezó a construir en 1064 por el arquitecto Buscheto y originó el distintivo estilo románico pisano en arquitectura. Los mosaicos del interior muestran una fuerte influencia bizantina, mientras que los arcos apuntados indican la influencia islámica. La fachada, de mármol gris y piedra blanca con discos de mármol coloreado fue construida por el maestro Rainaldo, como se indica en una inscripción sobre la puerta central: Rainaldus prudens operator.Las enormes puertas principales, de bronce se realizaron en los talleres de Giambologna pero en el pasado los visitantes entraban por la Porta di San Ranieri (Puerta de san Rainiero), en frente de la Torre Inclinada. Realizada alrededor de 1180 por Bonanno Pisano, esta puerta está actualmente desplazada de su ubicación original al lado opuesto del Baptisterio cuando se erigieron las puertas de Giambologna.Por encima de las puertas hay cuatro filas de galerías abiertas con estatuas en lo alto de la Virgen con Niño y, en las esquinas, los Cuatro evangelistas. Una de estas galerías contiene la tumba de Buscheto.El interior está cubierto de mármol blanco y negro y tiene una techumbre dorada y una cúpula con Fue ampliamente redecorada después de un incendio en 1595, que destruyó la mayor parte de obras de arte medievales.El impresionante mosaico, del ábside, de Cristo en majestad, flanqueado por la Virgen y san Juan Evangelista, sin embargo, sobrevivieron al incendio. Recuerda a los mosaicos de la iglesia de Monreale, Sicilia. Aunque se dice que el mosaico era obra de Cimabue, sólo la cabeza de San Juan es obra de este artista (1302) y fue su última obra, puesto que murió en Pisa ese mismo año. La cúpula, en el crucero de la nave con el transepto, fue decorada por Riminaldi mostrando la ascensión de la Virgen. Se cree que Galileo formuló su teoría sobre el movimiento de un péndulo al ver el balanceo del incensario (no es actual) que colgaba del techo de la nave. Esa lámpara de incienso, más pequeña y simple que la actual, está actualmente conservada en el Camposanto, en la capilla Aulla.

Las enormes columnas corintias de granito entre la nave y el pasillo provienen originariamente de la mezquita de Palermo, capturada por los pisanos en 1063.El techo de artesonado de la nave fue reemplazado después del incendio de 1595. La techumbra actual, decorada con oro, muestra el escudo de armas de los Médicis.El elaborado púlpito tallado (1302-1310), que también sobrevivió al fuego, es obra de Giovanni Pisano y es una de las obras maestras de la escultura medieval. Fue almacenado durante la redecoración y no se redescubrió e instaló de nuevo hasta el año 1926. El púlpito está apoyada en columnas lisas (dos de las cuales están montadas sobre esculturas de león) en un lado y en el otro por cariátides y un telamón: este último representa a San Miguel, los Evangelistas, las cuatro virtudes cardinales flanqueando a la Iglesia, y una representación franca y naturalista de un Hércules desnudo. Un plinto central con las artes liberales apoya a las cuatro virtudes teologales.La reconstrucción actual del púlpito no es la correcta. Hoy está no en la misma posición original, que era cerca del altar principal, y la disposición de las columnas y los paneles no son los originales. También las escaleras originales (quizá en mármol) se han perdido.La parte superior tiene nueve paneles dramáticos mostrando escenas del Nuevo Testamento, esculpidas en mármol blanco con un efecto de claroscuro y separada por figuras de profetas: la Anunciación, la matanza de los inocentes, la Natividad, la Adoración de los Magos, la Huída a Egipto, la Crucifixión, y dos paneles del Juicio Final.La iglesia también contiene los huesos de San Rainiero, el santo patrón de Pisa, y la tumba del sacro emperador romano germánico Enrique VII, esculpido por Tino da Camaino en 1315. Esa tumba, originalmente en el ábside justo detrás del altar mayor, fue desmontada y cambiada de posición muchas veces a lo largo de los años, por razones políticas. Al final, el sarcófago aún está en la catedral, pero algunas de las estatuas se pusieron en el Camposanto o en la parte alta de la fachada de la iglesia. Las estatuas originales están actualmente en el Museo dell'Opera del Duomo.El edificio, como varios en Pisa, está también ligeramente ladeado desde su construcción.

El Baptisterio

El Baptisterio, dedicado a San Juan Bautista, fue empezado a construir en el s. XII, “1153 Mense August fundata fuit haec («En el mes de agosto de 1153 fue aquí fundada…»)”, como consta en las inscripciones que hay en los pilares situados junto a la puerta de entrada y Lo diseñó casi por entero el Maestro Diotisalvi, un prestigioso arquitecto toscano de la época, aunque la construcción, sin embargo, no terminó hasta el siglo XIV, cuando la loggia, la planta superior y la cúpula fueron añadidos en estilo gótico por Nicola y Giovanni Pisano.Diotisalvi concibió un edificio religioso de enormes proporciones en mármol blanco y de planta circular en conmemoración a la “Rotonda de la Anástasis”, el grandioso mausoleo situado sobre el Santo Sepulcro de Jerusalén.Es el baptisterio más grande de Italia. Su circunferencia mide 107,25 metros y la altura es de 75 metros. Contando la estatua de san Juan Bautista (atribuida a Turino di Sano) en la parte superior de la cúpula, es incluso unos centímetros más alto que la Torre Inclinada.La magnífica cúpula se sustenta sobre ocho columnas y cuatro pilares con espléndidos capiteles tallados, lo que produce un efecto de luminosidad y de solemnidad sorprendentes. Asimismo es de destacar la acústica del interior.En el centro de la planta se encuentra la elegante pila bautismal octogonal de mármol blanco, obra del insigne escultor gótico lombardo Guido Bigarelli da Como (activo entre 1238 c. y 1257) y en el centro de la pila se alza la hermosa escultura de bronce que representa a San Juan Bautista, realizada en 1929 por el renombrado escultor italiano Italo Griselli (1880-1950).

Junto a la pila está situado el sobresaliente e innovador púlpito de mármol blanco de Nicola Pisano, quien empezó a realizar la obra en 1260.

El Púlpito del baptisterio di San Giovanni en Pisa fue realizado por Nicola Pisano en 1259, marcando el comienzo de un cambio importante en el lenguaje de la representación artística en la Toscana. A diferencia del modelo tradicional del púlpito adosado a la pared, Nicola trabajó un cuerpo arquitectónico independiente de planta hexagonal y sostenido por 7 columnas. Algunas de éstas están asentadas sobre leones, mientras que la columna central descansa sobre un plinto esculpido de figuras de animales y gnomos. Los arcos de medio punto trilobulados muestran la aún vigente influencia bizantina, así como el denominado “horror vacui” medieval, que consistía en no dejar espacios vacíos.

El Púlpito del baptisterio de Pisa está ornamentado con losas de mármol esculpidas con relieves narrativos que representan la Anunciación y la Natividad, la Adoración de los Reyes Magos, la Presentación en el Templo, la Crucifixión y el Juicio Final; mientras que en los capiteles aparecen intercaladas personificaciones de las Virtudes.
En esta obra, Nicola optó por representar la Natividad con la figura reclinada de la Virgen dominando toda la escena, seguida por la repetición inmediata de la cabeza y la figura de la Virgen de la Anunciación, que crea un poderoso foco de atención en el centro. La firme solidez de las figuras rivaliza con una viva preocupación por las cualidades decorativas: la articulación y la solidez de los cuerpos quedan ocultos bajo los ropajes con nítido modelado de los pliegues que cuelgan. Las personificaciones de las Virtudes muestran una mezcla de figuras de estilo francés y de diseños clásicos, como el contraposto de la figura de la Fortaleza.
En la escena de la Crucifixión nos topamos con un aumento de la gestualidad, el dramatismo y el peso de los cuerpos que genera realismo e induce a una sensación de profundidad. El trabajo de Nicola Pisano es reconocido con gran admiración, pues en todas las escenas existe una claridad similar en la estructura compositiva y en la disposición de las figuras, con el diseño de poses y atuendos repetido una y otra vez. Además, cada relieve se distingue de las molduras de los marcos y, a su vez, éstos se separan entre sí por medio de columnas lisas.
El Púlpito del baptisterio de Pisa fue la primera obra documentada de Nicola Pisano y fijó un nuevo modelo de púlpito que luego continuó su hijo Giovanni en Pistoia; el punto de partida de un estilo que anticipaba las ansias del Renacimiento italiano.

La Torre de Pisa

ALGUNOS DATOS DE LA TORRE DE PISA
* Nombre: Torre inclinada de Pisa.
* Función: Campanario.
* Período de construcción: 1173-1372
* Altura: 56 m, aprox.
* Diámetro exterior en la base: 1 5,5 m, aprox.
* Diámetro interior en la base: 7,4 m, aprox.
* Peso: 14.500 toneladas, aprox.
* Pisos: 7 más el claro
* Número de campanas: 7

CUANDO LOS CIUDADANOS RICOS DE PISA ENCARGARON LA CONSTRUCCIÓN DEL CAMPANARIO, SU INTENCIÓN ERA CREAR UN SÍMBOLO DE SU PODER. EL RESULTADO, SIN EMBARGO, FUE CONTRARIO: LA TORRE INCLINADA SE CONVIRTIÓ EN UN MODELO DEL CARÁCTER PASAJERO, TANTO DE LA ARQUITECTURA COMO DEL PODER.
La construcción del campanario para la catedral de la ciudad toscana de Pisa se encargó al arquitecto Bonanno Pisano hacia el año 1173. Este se propuso erigir un campanario en forma de columna y separado de la iglesia. No obstante, muy pronto se observó que los cimientos de la torre eran demasiado débiles, lo cual provocó que empezara a inclinarse (en un primer momento se ladeó unos 5 cm. hacia el sudeste) tras la conclusión de los primeros tres pisos.
La causa del torcimiento de la obra era el inestable subsuelo sobre el que se estaba levantando la torre. Pisano temió que su fama de arquitecto se viera afectada y mandó parar las obras.

Casi 100 años más tarde, Giovanni di Simone se arriesgó a reanudar la edificación e intentó compensar la inclinación de la torre construyendo verticalmente los cuatro pisos que faltaban. Las consecuencias fueron catastróficas, pues el campanario seguía inclinándose.
Di Simone se dio cuenta de su error y ordenó detener de nuevo las obras por más que el lugar donde debían colocarse las campanas no estuviera construido. En 1298 se midió una desviación de la plomada de 1,43 m, y en 1360 esta cifra ya había aumentado a 1,63 m. Con todo. Tommaso Pisano se decidió a continuar la construcción del campanario y a terminar la obra. Para ello, dispuso el claro de forma vertical sobre el edificio inclinado. En 1372, la torre del campanario quedaba lista para su inauguración.
En los siglos sucesivos, la inclinación de la torre se ralentizó. Se supone que el peso de la misma —unas 14.500 toneladas— terminó por compactar el suelo, lo cual permitió cierta estabilización del edificio. En el año 1835, el arquitecto Alessandro Gherardesca realizó un primer intento de rehabilitación; para ello eliminó el blando suelo lodoso y lo sustituyó por una base de mármol.
En 1350 la inclinación era de 1,40 metros, en 1817 de 3,80 metros y en 1993 de 4,47 metros. Tras las obras la inclinación de la torre retrocedió a los 4,10 metros en 2001 y de ahí a los actuales 3,99 metros.
El resultado fue desatroso, ya que en lugar de proporcionar mayor solidez a la torre, la acción de Gherardesca provocó un nuevo ladeo. En 1918, la desviación de la plomada eta ya de 5,1 tn. Hasta 1990, la inclinación de la torre fue aumentando de 1 a 1,2 mm. anuales. Ante la imposibilidad de revertir esta situación y por motivos de seguridad, el símbolo de la ciudad Pisa fue cerrado a los visitantes el 7 de enero de 1990.

El gobierno italiano ha emprendido numerosas medidas para la conservación de este singular monumento. Asi, en los años 1994 y 1995, se colocaron en la parte norte de la torre 690 toneladas de plomo en forma de barras y a modo de contrapeso; su fijación se realizó mediante la inserción de una serie de anclas enterradas en el suelo, a 40 m. de profundidad. Hasta el momento, la medida funciona, por lo que se ha podido detener la inclinación de la torre. Por el contrario, otros intentos de estabilización, corno inyecciones de hormigón en los cimientos o la congelación del suelo, han resultado un fracaso. En 1998, se aseguró la parte norte de la torre mediante dos cables de acero de 100 ni de largo y 4 toneladas de peso cada uno.
La torre tiene 55 metros de altura, pero sus cimientos sólo tienen 3 de profundidad. Inmediatamente después de que se empezara a construir, el suelo empezó a ceder. Eso ocurrió en 1173, y desde entonces el suelo ha estado cediendo lentamente
Los arquitectos e historiadores del arte se llegaron a abandonar la torre a su suerte. Entre el mes de febrero de 1999 y junio de 2001 se puso en práctica una nueva técnica. En los cimientos de la parte norte se insertaron una serie de tubos que debían permitir la extracción de 30 toneladas de tierra con la máxima seguridad y, a continuación, enderezar la columna unos 50 cm. La nueva técnica dio unos resultados magníficos, de manera que en la actualidad la torre presenta una inclinación moderada, aproximadamente la que tenía hace unos 250 años. A pesar de que es posible que nunca "adopte" la posición vertical por completo, su situación actual puede considerarse como absolutamente estable.
El "paciente" está friera de peligro y podrá sobrevivir sin problemas durante los próximos 2000300 años. El 16 de junio de 2001, se abrió de nuevo el acceso al público, ya que no existe riesgo alguno en la subida a este campanario de 55 ni de altura. Incluso las siete campanas pueden volver a repicar.