Filippino Lippi




Fra' Filippo di Tommaso Lippi conocido como Lippo Lippi nacido en 1406 y fallecido el 8 de octubre de 1469 fue un pintor italiano del Quattrocento que sobresalió por la originalidad del paisaje y la elegancia nerviosa en el dibujo. Fue un pintor muy influyente para Botticelli. Nacido en Florencia e hijo de un carnicero, quedó huérfano de padre y madre con 2 años. Fue su tía Lapaccia quien cuidó de él hasta los ocho años donde lo admitieron en un convento de carmelitas. Influido por Masaccio del que fue su díscipulo más directo, Filippo dio a los temas clásicos una nueva intensidad con su concepción del espacio y sus efectos coloros. En 1456 raptó a una monja, Lucrecia Buti, con la más tarde y gracias a los Médici pudo casarse con ella tener a un hijo pintor también llamado Filippino Lipp. Su último trabajo fueron los frescos de la catedral de Spoleto, que no pudo acabar ya que la enfermedad le debilitó profundamente desde 1466.





Filipino Lippi, Triomphe de saint Thomas sur les hérétiques (1488-1490), Rome, Santa Maria sopra Minerva
















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Girolamo Savonarola






Girolamo Maria Francesco Matteo Savonarola nació en Ferrara el 21 de septiembre de 1452 y falleció el 23 de mayo de 1498. Fue un religioso, confesor del gobernador de Florencia Lorenzo di Médici y organizador de las hogueras de vanidad donde se quemaron muchas obras de arte. Contribuyó a la expulsión del gobernador de Florencia en 1495 declarando a la famila Médici como corruptos. También atacó contra el papa Alejandor VI y como resultado obtuvo la excomunión, la prisión y tras haber sido liberado ser condenado a la hoguera por la Inquisición junto a la inclusión de su obra en el índice de libros prohibidos.

Después de la muerte de su abuelo, famoso médico que posiblemente influyó en él con la atracción que tenía a los problemas religiosos, se dedicó a estudiar las enseñanzas de Aristóteles y Santo Tomás. Una vez obtenido el título de maestro de dedicó a estudiar medicina sin llegar a terminarlos para comenzar con la teología. Entre 1472 y 1475 escribió dos libros en los que atacaba al papado comparándolo con la antigua y corrupta Babilonia, a pesar de esto ingresó en el convento de San Agustín en Faenza donde se hizo predicador. Desde allí siguió atacando al papa y consiguió la devoción de hasta 15.000 personas que asistieron a sus misas.

En 1482 la orden dominica lo envía a Florencia aunque después de seguir con sus fuertes y violentos discursos tuvo que huir de la ciudad en 1487. Regresó a Bolonia donde ejerció de maestro. En 1488 volvió a Ferrara, al convento de Santa Maria degli Angeli donde se dedicó a la predicación tras haber estudiado técnicas para la exposición al público. En 1491 se le entregó la titularidad de la iglesia de San Marco en Florencia desde donde atacó directamente y de una forma brusca al Papa Inocencio VIII. La gente se le volvió a acercar ya que sus profecias se cumplían como la derrota de Florencia contra los franceses en esos años o los lujos de los ricos con respecto a la pobreza de la mayoría de los ciudadanos. Esto junto a una epidemia de sífilis hizo que se pensase que era el profeta de los "últimos tiempos".

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En 1497 fue expulsado de la Iglesia tras sus críticas a los amigos y al papa Alejandro VI y en 1498 ordenó el papa su ejecución. Lo quemaron en la hoguera en el mismo lugar donde él había ordenado la muerte a numerosas personas y había tenido lugar la hoguera de vanidad. Se dice que quien encendió la llama de aquella hoguera gritó:

El que más quemó ahora él mismo pasto de las llamas.

Savonarola se adelantó a la reforma moral que iba a sufrir la Iglesia con el Protestantismo y la Contrarreforma. Después de su muerte se mantuvo su memoria gracias a la creación de un gremio llamado Piagnoni, también la orden de San Francisco apoyó sus ideas con lo que en 1527 volvieron a expulsar a los gobernantes de la familia Médici

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San Francisco de Asís




Hijo de un rico mercader llamado Pietro di Bernardone, Francisco de Asís era un joven mundano de cierto renombre en su ciudad.

En 1202 fue encarcelado por unos meses a causa de su participación en un altercado entre las ciudades de Asís y Perugia. Tras este lance, aquejado por una enfermedad e insatisfecho con el tipo de vida que llevaba, decidió entregarse al apostolado y servir a los pobres. En 1206 renunció públicamente a los bienes de su padre y vivió a partir de entonces como un ermitaño.

San Francisco de Asís predicó la pobreza como un valor y propuso un modo de vida sencillo basado en los ideales de los Evangelios. El papa Inocencio III aprobó su modelo de vida religiosa, le concedió permiso para predicar y lo ordenó diácono. Con el tiempo, el número de sus adeptos fue aumentando y Francisco comenzó a formar una orden religiosa, la de los franciscanos. Además, con la colaboración de santa Clara, fundó la rama femenina de su orden, que recibió el nombre de clarisas.


Sin embargo, la dirección de la orden no tardó en pasar a los miembros más prácticos, como el cardenal Ugolino (que luego fue Papa) y el hermano Elías, y él pudo dedicarse por entero a la vida contemplativa. Durante este retiro, San Francisco de Asís recibió los estigmas (las heridas de Cristo en su propio cuerpo), según testimonio de él mismo, y compuso el poema Cántico de las criaturas o Cántico del hermano sol, que influyó en buena parte de la poesía mística española posterior.
San Francisco de Asís fue canonizado dos años después de su muerte, el 15 de julio de 1226, y sus sucesores lo admiraron tanto por su modelo de austeridad como por su sensibilidad poética.

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Cosme de Médici





Cosme de Médici, en italiano Cosimo de' Medici, (Florencia 1389 - Florencia 1464). Fue un político y banquero italiano, fundador de la dinastía de los Médici, dirigentes efectivos de Florencia durante una buena parte del Renacimiento italiano. Se le conoció también con el nombre de Cosme el viejo y "Cosimo Pater Patriae" (Padre de la Patria).


Tras la muerte de su padre en 1429, se opuso al régimen oligárquico por entonces establecido en Florencia, en el que prevalecía la familia rival de los Albizzi. La influencia de Cosme de Médici, dotado de un excepcional sentido político, adquirió más importancia cuando el jefe de la oligarquía Rinaldo Albizzi le hizo arrestar en 1433 acusándole de malversación. Fue encarcelado en el Palazzo Vecchio y enviado al exilio durante diez años. Cosme se instaló en Venecia, sin perder el contacto con los partisanos.
Albizzi mantuvo un duro enfrentamiento con sus enemigos; ni su prestigio, ni su dinero intimidaron a sus adversarios y, un año más tarde, Cosme regresó a Florencia. Triunfante y aclamado por el pueblo desterró a su rival.
Como su padre, en otro tiempo, fue nombrado gonfaloniere de Florencia en 1434, lo que le permitió llevar a cabo sus deseos políticos, intentando convertir a su familia en el árbitro del Estado florentino. Impulsó la política exterior y ejerció, por medio de la misma, una gran influencia en toda Italia. Utilizó para este fin, y en diferentes direcciones, su extraordinaria fortuna proveniente de la banca herencia de su padre, que poseía varias filiales en diversos Estados italianos y en el extranjero.

Fue el fundador del mecenazgo de los Médici. Amante del arte y de las ciencias, puso al servicio de las mismas su fortuna con la liberalidad de un gran señor, toda Florencia siguió su ejemplo. Gran coleccionista, se hizo aconsejar por Donatello con el que entabló amistad y le animó en sus adquisiciones artísticas.

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Piero della Francesca

Será la localidad toscana del Borgo de San Sepolcro, hoy día llamada Sansepolcro, la que verá nacer a Piero della Francesca aproximadamente hacia finales de la década de los años veinte (se barajan diversas fechas a la hora de establecer su nacimiento, desde 1416 hasta 1420) y la que, de igual modo, le verá fallecer en octubre de 1492 (estando Piero Della Francesca a lo largo de toda su vida muy vinculado a ella).

A pesar de que se cree que su formación inicial debió recibirla en dicha localidad, suele considerarse Florencia como la ciudad que artísticamente le alumbró (su obra recoge influencias de artistas florentinos como Masaccio, Paolo Ucello o Leo Battista Alberti y su concepción del espacio). Así, se sabe que ya en fecha de 1439 está en Florencia, trabajando con Domenico Veneziano en la realización de una serie de frescos, trasladándose en 1442 de nuevo a su pueblo natal, donde recibirá el encargo de realizar un Políptico (1445-1462) para la Compañía de la Misericordia y la conocida pintura El Bautismo de Cristo (1448-1450).

En 1451, Piero della Francesca se encuentra trabajando en Rímini en el Templo de los Malatestianos al servicio de Sigismondo Malatesta, para quien realizará un fresco de concepción alegórica en el que aparece junto a su santo homónimo, pasando ya en 1458 a disposición del Papa Pío II en Roma (con el encargo de decorar la cámara del mismo). Será en esta época también cuando comience uno de sus principales trabajos: la decoración de la capilla mayor de la iglesia de San Francisco, en la localidad de Arezzo.

Durante la segunda mitad del s.XV, en la década de los años sesenta y setenta, Piero Della
Francesca va a establecer una estrecha relación con los duques de Urbino (de quienes realizará sendos magníficos retratos junto con otro buen número de obras, destacando, por encima de todas las demás, la conocida como Pala de Brera), abandonando la pintura hacia finales de 1470 debido a una enfermedad y pasando a dedicarse, hasta su muerte, a recopilar por escrito sus conocimientos acerca de la perspectiva y las matemáticas (tratados suyos serán. De prospectiva pingendi, Trattato d'abaco y De quinque corporibus regularibus).
















Principales obras de Piero della Francesca

Ya en una de sus obras más tempranas, caso del Bautismo de Cristo (1448-1450), se puede apreciar la delicadeza y contención que caracterizará al conjunto de su producción, así como su preocupación por conseguir la plasmación de un espacio verídico y la correcta ubicación de las figuras en el mismo. Además, en sus composiciones, ordenadísimas, la sencillez es siempre aparente, existiendo detrás de la misma un concienzudo ejercicio de observación y traslación de las líneas perspectivas, las cuales conducirán, invariablemente, la mirada del espectador de la obra adonde el pintor desee (siendo fácilmente apreciable en este caso). Y será el tratamiento impreso al color y la luz el encargado de resaltar el volumen de los protagonistas de la escena, reafirmando con ello su presencia finalmente.





Mucho más compleja es la obra Virgen con el Niño, seis santos, cuatro ángeles y el duque Federico II de Montefeltro (1472-1474), también llamada Pala de Brera debido a su ubicación, en la que realiza un excepcional ejercicio geométrico en la composición básica del dibujo y un uso maestro de la luz (que aquí emplea para individualizar a cada uno de los personajes y configurar el espacio).

En esta obra todas las proporciones están perfectamente medidas, tanto de los personajes entre sí como de éstos con la arquitectura circundante (existe una clara correspondencia entre la forma en la que se encuentra dispuesto el grupo central y la bóveda ubicada encima del mismo), en un espacio completamente racionalizado. Junto con esto, en dicha pintura se puede observar la influencia flamenca, apreciable en sus últimas obras, en la majestuosidad, un tanto fría, de los personajes y en el tratamiento de paños y detalles.

Serán sin embargo los frescos de la Leyenda de la Vera Cruz, realizados con objeto de decorar la capilla mayor de la Iglesia de San Francesco, su obra maestra. Aunque existen dudas acerca de la fecha de inicio del trabajo de Piero suele aceptarse, de manera casi unánime, el año de 1452 para dicha datación, siendo más difícil sin embargo precisar el momento de término de la obra (hay autores que han considerado los aledaños de 1458 como la fecha más probable frente a aquellos que lo establecerían en 1466).



En esta serie de pinturas, Piero Della Francesca alcanza un equilibrio perfecto entre las distintas partes, todas ellas aunadas gracias a la especial atmósfera luminosa (en este caso plena de contrastes y que acentuará el estatismo de los personajes) característica de su obra y a su dominio del espacio y la composición, dando lugar a un conjunto en el que espiritualidad y grandiosidad se alzan como principales protagonistas.

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Ghiberti

Lorenzo de Bartoluccio, alias Lorenzon GHIBERTI (Florencia, 1378 - Florencia, 1 de diciembre de 1455), hijo y aprendiz de un orfebre florentino, fue el primer escultor que basó su arte en la cultura, en las fuentes del Humanismo. Sus Puertas del Baptisterio de Florencia son consideradas las inauguradoras del arte del Renacimiento. Amigo asiduo de artistas, humanistas y erúditos, Ghiberti estudió los clásicos, Plionio, Ateneo el Viejo, Vitrubio..., y fue un propagador activo de las ideas humanistas, así como uno de los primeros coleccionistas de arte antiguo. Aunque dedicado principalmente a la escultura, también ejerció de arquitecto y de pintor, y en sus últimos años escribió el libro I Comentarî, sobre diversos aspectos del arte.

En 1402, en competencia con Brunelleschi y otros arquitectos afamados como Jacopo della Quercia, es cuando gana el concurso para la realización de las dos puertas que le restaban al Baptisterio de San Giovanni de Florencia. Las segundas que realizó, las Puertas del Paraíso, de una belleza incomparable, son consideradas la cima máxima del relieve renacentista.

Sus esculturas traslucen una elegancia lírica acompañada de perfección técnica así como el
interés que tenía por la sencillez clásica de peso y volumen. En sus primeros trabajos se observan todavía numerosas reminiscencias góticas, pero conforme va avanzando el siglo XV va desarrollando sus nuevas ideas de corte renacentista con mayor intensidad, como se desprende de una observación de la evolución de su obra, que va tendiendo hacia una representación más naturalista del movimiento, el volumen y la perspectiva, así como una idealización mayor del tema.

En sus últimos años de vida, entre 1447 y 1448, escribió un tratado de arte en tres volúmenes, un manuscrito que dejó inacabado, llamado I Comentarî. En él realiza una historia del arte y de
los artistas, tanto antiguos como del Trecento, desde el propio arte y, a la vez, trata de establecer la base científica del arte figurativo basándose en la óptica y en la teoría de las proporciones. Entendía Ghiberti la escultura, y también la pintura, no como artes de acción, artes mecánicas, sino como el resultado de la integración entre la técnica, la materia, y el razonamiento, la invención. I Comentarî refleja, además, el mundo del propio Ghiberti con una voluntad autobiográfica hasta entonces desconocida en los tratados de crítica del arte.





Ghiberti es conocido fundamentalmente por sus puertas para el Baptisterio de Florencia, consideradas las primeras inaguradoras del arte del Renacimiento y las segundas, las Puertas del Paraíso, como la cúspide del relieve renacentista. Estas obras hacen a menudo sombra a otras creaciones del artista que son igualmente merecedoras de reconocimiento. Mientras ejecutaba sus primeras Puertas del Baptisterio, fue maestro de obras de la iglesia de Orsanmichele. En su escultura destacan, por ejemplo, sus estatuas monumentales de San Mateo (1419-1421) para el gremio de cambistas de Orsanmichele o las de San Esteban (1425-1426) para el gremio de tejedores de lana. También a recordar sus bajorrelieves en bronce para la Fuente bautismal de la Catedral de Siena (1417-1427), con escenas como el Bautismo de Cristo o San Juan conducido ante Herodes, así como el Relicario en bronce de San Cenobio y otras tantas obras.





Segundas Puertas del Baptisterio principal de San Giovanni de Florencia.




La realización de las dos puertas que le restaban al Baptisterio de Florencia, para situarlas junto a las primeras que Andrea Pisano realizó en Trecento, fue el trabajo que Ghiberti consiguió al ganar el concurso de relieve sobre el Sacrificio de Isaac en 1402. Trabajó en las primeras durante más de veinte años, entre 1403 y 1424, ayudado por sus discípulos. Cada batiente contiene catorce relieves en bronce dorado, con marco cuadrifolio y de un modelado extraordinario, en los que están representados episodios de la vida de Cristo y los padres de la Iglesia, como la Flagelación, Jesús ante los Doctores, Cristo en la tempestad o La oración en el huerto. Mucho tienen aún estos relieves del estilo gótico, deudores en gran medida del arte de su predecesor Andrea Pisano, un arte que intenta valorar la figura frente al vacío del entorno, pero se advierten claramente rasgos renacentistas. Tanto la perspectiva arquitectónica como la construcción de los cuerpos consiguen efectos de una gran expresividad plástica, se adivina una mayor preocupación por la profundidad del espacio pictórico, la ejecución de las figuras toma más importancia que la de los ropajes y se observa un creciente interés por el Mundo Antiguo, factores todos ellos que evidencian la irrupción del Renacimiento artístico.








El excelente trabajo que realizó con las segundas Puertas del Baptisterio de Florencia hizo que Ghiberti fuera considerado también el más adecuado para ser el artista que decorara las terceras. Así, emprendió en 1425 la realización de los relieves en bronce dorado de las últimas Puertas, que no finalizaría hasta 1452. Las puertas que, merced a su impresionante hermosura, Miguel Ángel bautizaría como las Puertas del Paraíso. El programa iconográfico de estas terceras Puertas de Baptisterio levantó encendidas polémicas entre los humanistas florentinos, como Leonardo Bruni, Ambrosio Travesari, Niccolò de Uzzano y Niccolò Niccoli, pues Ghiberti optó por modificar totalmente la estructura trecentista de Andrea Pisano que había mantenido en las segundas. El espacio disponible queda dividido en diez cuadros, cinco para cada batiente, inscritos en una rica y estrecha orla. La reducción del número de espacios ocasionó que dos o más episodios del programa tuvieran que fundirse en un solo cuadrado, creando en consecuencia un principio narrativo necesariamente distinto al de sus primeras Puertas. Si en éstas la figura humana concreta el espacio, en las segundas el paisaje y las perspectivas arquitectónicas dan fondo a las movidas escenas.
Difícilmente el arte del relieve ha superado tal grado de perfección. Del bajo al alto relieve, los fondos y las figuras van emergiendo de la superficie hasta alcanzar una plena corporeidad, aunque los cuerpos henchidos del clasicismo no llegan a perder la armonía y la fragilidad de movimiento del último Gótico. Y, del mismo modo, las arquitecturas, aunque concebidas bajo en conocimiento de la invención brunelleschiana, no llegan a crear un eje inmóvil en el que coincidan todas las líneas del cono visual, sino que obedece al principio medieval del punto de vista variable que Ghiberti llama "región del ojo". Aunque todavía se mantienen resabios del Gótico, es evidente la evolución del estilo ghibertiano hacia un Renacimiento más pleno.

El resultado de ese encuentro entre conceptos artísticos, ya que no opuestos, diferentes, es una síntesis que alcanza la perfección, una perfección que hizo exclamar a Miguel Ángel que aquellas Puertas, por su belleza, debían ser las que abrieran el Paraíso. Aunque la belleza del bronce ghibertiano al parecer no alcanzó la gloria que según Miguel Ángel merecía, lo cierto es que cuando en 1452 las Puertas de Ghiberti iban a ser colocadas en el lado sur del Baptisterio, dada su hermosura merecieron el honor de desplazar a las de Andrea Pisano para encararse con la gran portada de la catedral principal de Florencia, Santa María dei Fiori. En su inacabado manuscrito I Comentarî, Ghiberti considera que de todas sus obras la creación más extraordinaria son estas terceras Puertas del Baptisterio, realizadas "con la mayor habilidad, la mayor ponderación y el máximo espíritu de aventura".









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Duccio di Buoninsegna





Pocos datos se tienen sobre los orígenes y la formación artística de Duccio di Bouninsegna. Aparece por primera vez citado en unos documentos de 1278 y relativos al pago por la decoración de unastapas de unos libros y unos cofres de madera que le había encargado el Ayuntamiento de Siena. Seestima 1255 como su posible año de nacimiento; y murió hacia 1319, pues en ese año a su mujer se la menciona como viuda en un documento municipal. Duccio trabajó para el Ayuntamiento de Siena de manera casi continua hasta 1295. Desempeñótareas de iluminador de libros y pintor de planchas de madera con las que se cubrían los documentos. En ocasiones, ya al final de su vida, fue llamado para asesorar sobre la ubicación de obras y fuentes públicas en la ciudad.
La primera gran obra documentada de Duccio es la tabla Madonna Rucellai, encargada por una cofradía para la iglesia florentina de Santa Maria Novella. En ella se aprecian las notas que dominaron su estilo durante esta primera etapa: la influencia de Cimabue como maestro e inmediato precedente, la monumentalidad de las figuras y la presencia de soluciones y tipos compositivos arcaicos según la tradición bizantina (Virgen como trono del Niño, fondos de oro, etc.). Sin perder algunos de estos rasgos –pues su carácter pictórico fue siempre más bizantino que gótico–, su pintura paulatinamente dio muestras de una mayor consideración anatómica de los cuerpos, humanizó e hizo amables los rostros, acentuó el sentido narrativo de sus escenas, aprendió a modular la luz, introdujo valores de claroscuro en las superficies y desarrolló cierto preciosismo cromático.
Duccio diseñó para el Duomo de Siena, en 1288, las vidrieras para el rosetón circular. Y entre 1308-1311 realizó la gran pala para el retablo mayor de dicho Doumo, conocida como Maiestà y considera su obra cumbre. Después, y hasta su muerte, Duccio pintó cuatro trípticos, con los su estilo alcanzó la madurez. La obra y los logros pictóricos alcanzados por Duccio constituyeron la base para el desarrollo de la pintura sienesa del Trecento. Es casi seguro que Duccio estuviera en Asís, pero no para trabajar a las órdenes de Cimabue en los frescos de la Iglesia de San Francisco, sino como pintor que acudía al lugar donde los artistas estaban reformando el lenguaje pictórico. Allí también estaban trabajando Giotto, Lorenzetti y Simone Martini.




Obras más conocidas



- Madonna con Niño / Madonna con Bambino - Tempera y oro sobre tabla - Museo d'arte sacra della Val d'Arbia, Buonconvento, cerca de Siena




- Madonna con Niño y dos ángeles / Madonna con Bambino e due angeli (c. 1280) - También conocida como la Madonna Crevole / Madonna di Crevole - Tempera y oro sobre madera - Museo dell'Opera della Metropolitana, Siena






- Madonna con Niño entronizada y seis ángeles / Madonna con Bambino in trono e sei angeli (c. 1285) - También conocida como la Madonna Rucellai / Madonna Rucellai - Tempera y oro sobre tabla - Galleria degli Uffizi, Florencia, Italy, en depósito de Santa Maria Novella, Florencia, Italia




- Crucifijo / Crocifisso - Tempera sobre madera - Colección Odescalchi, Roma, primeramente en el Castello Orsini de Bracciano




- Madonna de los franciscanos / Madonna dei franciscani (c. 1300) - Tempera y oro sobre madera - Pinacoteca Nazionale, Siena









- Asunción, Sepultura y Coronación de la Virgen / Assunzione, Sepoltura e Incoronazione della Vergine - Vidriera de colores - Duomo, Siena





- Maiestà (Madonna con Niño y seis ángeles / Madonna con Bambino e sei angeli) - Tempera y oro sobre madera - Kunstmuseum, Berna, Suiza




- Madonna y Niño / Madonna con Bambino - Tempera y oro sobre madera - Metropolitan Museum of Art, Nueva York (anteriormente en la colección Stoclet, Bruselas, Bélgica)




- Madonna con Niño y seis Ángeles / Madonna con Bambino e sei angeli - Tempera y oro sobre tabla - Galleria Nazionale dell'Umbria, Perugia, Italia




- Políptico: Madonna con Niño con los santos Agustín, Pablo, Pedro, Domingo, cuatro ángeles y Cristo bendiciendo / Madonna con Bambino e con i santi Agostino, Paolo, Pietro, Domenico, quattro angeli e Cristo benedicente (c. 1305) - También conocido como Dossale n.º 28 - Tempera y oro sobre tabla - Pinacoteca Nazionale, Siena




- Políptico n.º 47: Madonna y Niño con santos: Inés, Juan Evangelista, Juan el Bautista y María Magdalaena; diez patriarcas y profetas, con Cristop bendiciendo / Madonna con Bambino e con i santi Agnese, Giovanni Evangelista, Giovanni Battista e Maria Maddalena; dieci patriarchi e profeti, e Cristo benedicente - Tempera y oro sobre tabla - Pinacoteca Nazionale, Siena




- La rendición del castillo de Giuncarico / La resa del castello di Giuncarico - Fresco - Palazzo pubblico, Siena









- "Cristo y la Samaritana", tabla secundaria de la "Maiestà" de Siena. Madrid, Museo Thyssen-Bornemisza







- Maiestà con episodios de la Pasión de Cristo / Maiestà e Storie della Passione di Cristo - Tempera y oro sobre tabla - Duomo, Massa Marittima, Italia




- Pequeño tríptico: Flagelación de Cristo; Crucifixión con ángeles; Deposición en la tumba / Flagellazione di Cristo; Crocifissione; Deposizione nel Sepolcro - Tempera y oro sobre tabla - Società di Esecutori di Pie Deposizioni, Siena




- Pequeño tríptico: Madonna y Niño con cuatro ángeles, los santos Domingo, Inés y siete profetas / Madonna con Bambino e con quattro angeli, i santi Domenico, Agnese, e sette profeti - Tempera y otro sobre tabla - National Gallery de Londres, Londres, Reino Unido




- Retablo portátil: Crucifixión con Cristo bendiciendo; san Nicolás; san Gregorio / Crocifissione con Cristo benedicente; San Nicola; San Gregorio - Tempera y oro sobre tabla - Museum of Fine Arts, Boston, Massachusetts, EE. UU.




- Pequeño tríptico: Crucifixión con ángeles; Anunciación y Madonna con Niño y Ángeles; Stigmata de san Francisco con Madonna y Cristo entronizado / Crocifissione e angeli; Annunciazione e Madonna con Bambino e angeli; Stimmate di san Francesco e Madonna con Cristo in trono - Tempera y oro sobre tabla - Colecciones reales, Hampton Court, cerca de Londres, Reino Unido




- Maiestà (Madonna con Niño entronizada y veinte ángeles y diecinueve santos / Madonna con Bambino in trono e venti angeli e dicianove santi) - Tempera y oro sobre tabla - Museo dell'Opera della Metropolitana, Siena


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